Née le 9 octobre 1947, France Gall a commencé à chanter très tôt, notamment "Sacré Charlemagne". Elle a été célèbre par son prix de l'Eurovision en 1965 avec "Poupée de cire, poupée de son" écrite par Serge Gainsbourg. Très brève compagne de Claude François puis de Julien Clerc, elle fut en couple tant musicalement qu'en privé avec Michel Berger dans les années 1970 et 1980 avec des chansons comme "Il jouait du piano debout", "Babacar", "Ella, elle l'a", "Evidemment". Atteinte d'un cancer qui est revenu en 2015, France Gall a fait sa dernière apparition publique le 30 janvier 2017 avant de s'éteindre le 7 janvier 2018 (hospitalisée depuis le 19 décembre 2017). Exposée au Mont-Valérien, elle fut enterrée le 12 janvier 2018 au cimetière de Montmartre, auprès de Michel Berger, mort à 44 ans le 2 août 1992 d'un infarctus, et de leur fille Pauline, morte à 19 ans le 15 décembre 1997 de la mucoviscidose.

Claude François :
http://rakotoarison.over-blog.com/article-sr-20180311-claude-francois.html

Serge Gainsbourg :
http://rakotoarison.over-blog.com/article-sr-20180402-serge-gainsbourg.html

SR

http://rakotoarison.over-blog.com/article-srb-20180107-france-gall.html


 

« Si Charlie Chaplin occupe une place majeure dans le monde du cinéma et de l’histoire culturelle du XX^e siècle, c’est que, premier auteur complet de l’histoire du cinéma (producteur, scénariste, metteur en scène, compositeur), il a su donner au cinéma comique une profondeur d’humanité jusqu’aujourd’hui inégale. » (Michel Fragonard, "La Culture du XX^e siècle, dictionnaire d’histoire culturelle", éd. Bordas, 1995).




Son nom émerveillait, en tout cas, m’émerveillait quand j’étais enfant, synonyme de bonne soirée, aussi mythique que Wald Disney. Considéré par le magazine américain "Time" du 9 juin 1998 comme l’une des cent personnalités majeures qui ont façonné le XX^e siècle, Charlie Chaplin est mort il y a quarante ans, le jour de Noël 1977 près de Vevey, chez lui, en Suisse. Il avait 88 ans (né 16 avril 1889 à Londres) et a été un acteur et réalisateur de cinéma exceptionnel. Un monument de l’histoire du cinéma.

Chaplin émerveillait parce que tout en lui fut émotion, tout en lui fut sensibilité. Ce fut sa mère qui lui donna ce goût de l’observation et de l’imitation des sentiments. Quand il était petit, sa mère regardait par la fenêtre les passants et le faisait rire en les imitant. Les émotions s’exprimaient par le visage et aussi par les mains. Il fut un modèle et un inspirateur pour de nombreux cinéastes, comme Jacques Tati (le personnage de Monsieur Hulot), Federico Fellini, Richard Attenborough, etc., mais aussi le mime Marcel Marceau, et les personnages de dessins animés Mickey Mouse et Félix le Chat.

Il a laissé environ quatre-vingts films en soixante-cinq ans de carrière. Il a commencé très tôt sur la scène (il n’avait que 5 ans), et dans les années 1910, il avait déjà acquis sa notoriété et la fortune avec ses nombreux films burlesques muets, assez courts, qu’il a réalisés en inventant le personnage de Charlot. Son inspirateur, Max Linder.



Il y a eu plusieurs Chaplin : l’adolescent de théâtre, le jeune acteur comique, puis l’acteur confirmé, etc. Bien entendu, son rôle le plus célèbre est Charlot, personnage créé de toutes pièces pour décrire un monde social de désolation. Ce personnage, il l’a créé en 1914 et l’a tout de suite adopté. Il était à la fois inadapté et cherchant à s’adapter au monde. Pour preuves, ses vêtements : « Je voulais que tout soit une contradiction : le pantalon ample, la veste étriqué, le chapeau étroit et les chaussures larges. (…) J’ai ajouté une petite moustache qui, selon moi, me vieillirait sans affecter mon expression. Je n’avais aucune idée du personnage, mais dès que je fus habillé, les vêtements et le maquillage me firent sentir qui il était. J’ai commencé à le connaître et quand je suis entré sur le plateau, il était entièrement né. ».

Il faut préciser que son employeur, qui l’avait recruté avec un salaire élevé par l’intermédiaire du grand frère (Syd Chaplin) et qui fut séduit par son jeu de scène, l’avait trouvé trop jeune et l’avait laissé sans projet pendant quelques mois qui permirent à Charlie Chaplin de savoir et comprendre ce qu’était le cinéma. La moustache avait donc ce goût amer du besoin de se donner une prestance.

Dès novembre 1914, Chaplin est devenu une star du cinéma. Il pouvait revendiquer un salaire encore plus élevé, l’équivalent actuel de 55 000 dollars par semaine ! Succès après succès, la popularité fut très grande. Un troisième studio employeur fit de lui, en 1915, l’une des personnes les mieux payées du monde (plus de 30 millions de dollars actuels par an), ce qui, à l’époque, faisait déjà polémique ! Le patron du studio n’hésitait pas à assumer : « Nous pouvons nous permettre de payer ce gros salaire annuel à M. Chaplin car le public veut Chaplin et paiera pour le voir. » (John R. Freuler). C’est la loi de l’offre et de la demande.



J’ai oublié de rappeler que Chaplin avait émigré aux États-Unis en 1912 pour faire du music-hall. Dès mars 1916, il a pu avoir son propre studio à Los Angeles. Or, à 26 ans, il aurait dû être mobilisé pour combattre durant la Première Guerre mondiale, mais ni les États-Unis ni le Royaume-Uni ne l’appelèrent et il fut d’ailleurs très populaire aussi au sein de l’armée, participant au moral des troupes. L’ambassade du Royaume-Uni aux États-Unis déclara : « [Chaplin] est bien plus utile à la Grande-Bretagne en gagnant de l’argent et en achetant des obligations de guerre que dans les tranchées. ». En juin 1917, un nouveau contrat avec un autre partenaire lui fit gagner l’équivalent actuel de 35 millions de dollars en échange de la réalisation de huit films. Il fit construire son propre studio qui fut inauguré en janvier 1918.

Charlot aurait pu n’être qu’un clown triste, pauvre et amoureux. En fait, il a été bien plus. Chaplin a véritablement créé le mythe du vagabond sentimental, inadapté social, pauvre. Pendant une vingtaine d’années, Chaplin a multiplié les succès avec des films comme "Une vie de chien" (14 avril 1918), "Le Kid" (6 février 1921), "La Ruée vers l’or" (26 juin 1925), "Les Lumières de la ville" (6 février 1931), "Les Temps modernes" (5 février 1936), etc. Ses films sont souvent une critique sociale acerbe contre un monde (souvent économique) sans pitié, violent, basé sur les profits, pour les uns, et sur la jalousie, pour les autres.



Après 1923, Chaplin fut son propre patron (cofondateur de la United Artists) et a réalisé assez peu de films, misant plus sur la qualité que la quantité, seulement dix films en quarante-quatre ans, entre 1923 et 1967. C’était novateur : c’était la première fois qu’un réalisateur se permettait de produire lui-même son film. Il en avait les moyens.

Parce que la pantomime faisait partie du jeu comique de Chaplin, ce dernier était très peu enthousiasmé par les progrès techniques se traduisant par l’arrivée du cinéma parlant. Au contraire, la voix ne pouvait que réduire l’effet comique de Charlot. C’était d’ailleurs ce qui s’est passé : Charlot a disparu avec les films parlés de Chaplin.

Le premier film parlé de Chaplin est un chef d’œuvre, sans doute sa meilleure production, peut-être la meilleure production de toute l’histoire du cinéma mondial. Son titre est "Le Dictateur" et est sorti le 15 octobre 1940, après les conquêtes victorieuses des nazis. Chaplin mime de manière excellente et hilarante Hitler (il joue aussi un second rôle, celui du barbier juif, sosie d’Hitler, capable de raser la barbe à une femme !), et ce mimétisme est probablement la meilleure satire de la folie nazie.

Au-delà de l’aspect comique (la fameuse scène d’Hitler jouant avec la planète comme un ballon, la rudesse de Mussolini, les discours animalesques aux foules, etc.), Chaplin porte évidemment un message d’engagement contre l’idéologie nazie, ce qui, d’ailleurs, fut très mal ressenti dans certains milieux isolationnistes aux États-Unis pas encore engagés dans la Seconde Guerre mondiale. Chaplin expliquait sa manière de voir ainsi : « Je crois au pouvoir du rire et des larmes comme contrepoison de la haine et de la terreur. ».

La dernière scène du film est une tirade longue, certes un peu moralisatrice comme saura le faire le cinéma américain par la suite, mais une véritable ode à la paix, à la tolérance et à l’humanisme, sans doute bien plus efficace que bien des discours à la SDN puis à l’ONU.



Après "Le Dictateur", Chaplin tourna "Monsieur Verdoux", sorti le 11 avril 1947. C’est l’histoire d’un employé de banque (lui) mis au chômage par la crise de 1929 qui a l’idée de se marier à de riches veuves qui meurent rapidement après le mariage. La critique a été sévère contre ce film qui a cependant obtenu un certain succès commercial, notamment en France (avec 2,6 millions d’entrées) car le film se passe à Paris.

Le dernier film américain de Chaplin fut "Les Feux de la rampe" ("Limelignt"), sorti le 16 octobre 1952, film assez triste et mélancolique qui montre la difficulté d’un chanteur du music-hall à se retirer de la scène. L’histoire est presque autobiographique, comme si Chaplin disait définitivement adieu à Charlot, qui n’existait déjà plus avec l’arrivée du cinéma parlant. Dans ce film ont joué notamment Buster Keaton et Sydney Earl Chaplin, le deuxième fils de Charlie Chaplin (à ne pas confondre avec le grand frère Syd Chaplin). Sa fille Géraldine Chaplin y a fait une apparition (à l’âge de 8 ans), ainsi que son fils aîné Charles Chaplin Jr.

Pourquoi dernier film américain ? Chaplin et sa famille quittèrent New York le 18 septembre 1952 (à bord du "Queen Elizabeth") pour être présent à la première diffusion de son film à l’Odeon Theatre à Londres (le 16 octobre 1952). Il était sans illusion sur son retour. En effet, les États-Unis ont révoqué son visa de retour, à cause de la fièvre maccarthyste (David Bohm fut lui aussi victime de cette "hystérie"). Chaplin refusa de se plier aux interrogatoires pour pouvoir obtenir son visa et pour pouvoir retourner aux États-Unis : il resta donc en Europe : « Que je revienne ou non dans ce triste pays avait peu d’importance pour moi. J’aurais voulu leur dire que plus tôt je serais débarrassé de cette atmosphère haineuse, mieux je serais, que j’étais fatigué des insultes et de l’arrogance morale de l’Amérique. ».

Cette décision de ne pas retourner aux États-Unis était très hardie puisque toute sa fortune s’y trouvait. Ce fut son épouse qui régla toutes ses affaires à Los Angeles. Chaplin s’installa définitivement en Suisse en janvier 1953 et solda toutes ses affaires américaines en 1955 (son épouse prit la nationalité britannique et abandonna sa nationalité américaine) : « J’ai fait l’objet de calomnies et d’une propagande orchestrée par de puissants groupes réactionnaires qui, par leur influence et l’aide de la presse jaune américaine, ont créé une atmosphère malsaine dans laquelle les individus aux tendances libérales peuvent être persécutés. Dans ces conditions, j’ai trouvé qu’il était virtuellement impossible de continuer mon travail de réalisation cinématographique et j’ai par conséquent abandonné mon séjour aux États-Unis. ». Son séjour américain a duré quarante ans (1912-1952).

Son premier film après cette décision personnelle (avant dernier film de sa carrière) fut "Un roi à New York" sorti le 12 septembre 1957 (il a mis trois ans à le produire et réaliser), dans lequel son fils Michael Chaplin joue (le garçon de 10 ans aux idées déjà bien mûries). Satire de l’esprit américain intolérant du maccarthysme (et anti-anticommuniste), ce film ne sortit aux États-Unis que le 8 mars 1972 ! La scène de la prise des empreintes digitales à la douane montre l’humiliation que sont capables de faire subir les États-Unis à des stars déchues.

Au-delà de la critique du consumérisme en plein essor (le roi est réduit à faire de la publicité à la télévision pour payer son hôtel), quelques thèmes d’actualité sont traités dans ce film, notamment l’énergie nucléaire capable, selon le roi, de créer un "monde idéal". Étrangement, l’histoire de ce roi d’Estrovie ruiné par son Premier Ministre et détrôné par une révolution populaire préfigura la fuite du Shah d’Iran près d’un quart de siècle plus tard (d’autant plus étrange que le nom du roi est Igor Shahdov).

Après ce film, Chaplin reprit ses anciens films muets pour les rééditer et les resonoriser et commença à rédiger ses mémoires. Il a réalisé un dernier film où il apparaît à peine, "La Comtesse de Hong-Kong", sorti le 5 janvier 1967 (avec Sophia Loren, Marlon Brando et aussi ses enfants Sydney, Géraldine et Victoria, âgée de 10 ans) qui fut un échec commercial. En raison de son grand âge et de sa santé très faible (il a subi plusieurs accidents vasculaires cérébraux), il n’a pas pu achever la comédie dramatique "The Freak" qui avait pour but de lancer sa fille Victoria Chaplin dans la carrière cinématographique (il travailla sur ce film entre 1966 et 1975).



Après vingt années de quasi-exil, Charlie Chaplin accepta de se rendre à Los Angeles pour recevoir le 10 avril 1972, à quelques jours de ses 83 ans, son second Oscar (au cours de la 44^e cérémonie des Oscars au Dorothy Chandler Pavilion organisé par l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences). Ce fut un Oscar d’honneur décerné pour « l’effet incalculable qu’il a eu en faisant des films de cinéma la forme d’art de ce siècle ». Le première Oscar d’honneur, il l’avait eu à la 1^e cérémonie des Oscars le 19 mai 1929 « pour sa polyvalence et son génie à jouer, écrire, mettre en scène et produire "Le Cirque" ». Ce fut une sorte de réconciliation entre les États-Unis et celui qui allait bientôt s’éteindre et qui fut un monument inégalé et reconnu du septième art.

Chaplin avait donné sa définition du bon acteur : « Un bon acteur sait mettre de l’émotion dans l’action et de l’action dans l’émotion. ». Ou encore : « Quand intelligence et sensibilité sont en parfait équilibre, on a le merveilleux acteur. ».

Après son enterrement le 27 décembre 1977, Charlie Chaplin ne se reposa pas encore tout à fait : son cercueil fut exhumé et volé le 1^er mars 1978 par des brigands pour réclamer une rançon, mais ces derniers furent arrêtés le 17 mai 1978 et le cercueil retrouva sa place d’origine, dans le caveau alors bétonné pour éviter d’autres tentatives. Peut-être que ce malheureux épilogue a conduit Johnny Hallyday à se faire enterrer dans une île lointaine ?…


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Sylvain Rakotoarison (22 décembre 2017)
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Pour aller plus loin :
Charlie Chaplin.
Johnny Hallyday.
Pierre Granier-Deferre.
Barbara chantée par Depardieu.
Danielle Darrieux.
Lino Ventura.
Jean Rochefort.
Gisèle Casadesus.
Gisèle Casadesus a 100 ans !
Le cinéma parlant.
Jacques-Yves Cousteau.
Peter Falk.
"Big Eyes" de Tim Burton.
Mireille Darc.
Fadwa Suleiman.
Claude Rich.
Francis Veber.
Mimie Mathy.
Victor Lanoux.
Robert Dalban.
Acting.
Disparition de Zsa Zsa Gabor, Michèle Morgan, Claude Gensac, Carrie Fisher et Debbie Reynolds (dessin).
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Jean Gabin.
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Alice Sapritch.
Thierry Le Luron
Pierre Dac.
Coluche.
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« Ce qui m’intéresse, c’est la folie ordinaire des hommes, celle que chacun porte en soi et qui affleure au moindre événement. Je ne méprise pas l’action, mais j’ai un penchant pour la psychologie. Je suis un cinéaste de chambre. » (Pierre Granier-Deferre, cité par "Le Figaro" le 17 novembre 2007).




Je continue un petit tour d’horizon du cinéma français et évoque les films du réalisateur Pierre Granier-Deferre, à l’occasion du dixième anniversaire de sa disparition. Il est en effet mort le 16 novembre 2007 à Paris, à l’âge de 80 ans (il est né le 27 juillet 1927 à Paris).

Contrairement à d’autres réalisateurs de la même époque (années 1960), il n’a pas fait partie de la "Nouvelle vague" et est resté un réalisateur "classique". Pendant les années 1950, il a appris le métier de réalisateur en assistant de grands cinéastes, comme Marcel Carné, avec "L’Air de Paris" (1953) et Denys de La Patellière, avec notamment "Un taxi pour Tobrouk" (1960) et aussi "Les Grande Familles" (1958).

Ce dernier film, sorti le 19 novembre 1958 et scénarisé par Michel Audiard, est un excellent film tiré d’un roman de Maurice Druon (prix Goncourt 1948) et qui décrit la vie de grands industriels sous la III^e République, avec Jean Gabin, Bernard Blier et Pierre Brasseur (avec la participation de Louis Seigner). Un téléfilm, réalisé par Édouard Molinaro et sorti en trois épisodes en 1989, a repris le même scénario avec Michel Piccoli, Pierre Arditi et Roger Hanin (à la place des trois précédents cités) et avec la participation de Renée Faure et Évelyne Bouix. Jean Desailly, qui avait eu un grand rôle dans le film de 1958, a repris un autre rôle en 1989, trente ans plus tard.



Les environ trente films réalisés entièrement par Pierre Granier-Deferre ont été parfois de grands succès, comme "La Horse" (sorti le 22 février 1970) avec Jean Gabin, Julien Guiomar et Pierre Dux, film qui a véritablement lancé sa carrière de réalisateur, ou encore "La Métamorphose des cloportes" (sorti le 1^er octobre 1965), d’après un roman d’Alphonse Boudard, avec Lino Ventura, Charles Aznavour, Pierre Brasseur, Annie Fratellini (qui fut la femme de Pierre Granier-Deferre), Daniel Ceccaldi et Jean Carmet, "La Veuve Couderc" (sorti le 13 octobre 1971), d’après un roman de Georges Simenon, avec Alain Delon, Simone Signoret, Boby Lapointe et Jean-Pierre Castaldi, "Adieu Poulet" (sorti le 10 décembre 1975), scénarisé par Francis Veber, avec Lino Ventura, Patrick Dewaere, Victor Lanoux, Julien Guiomar, Pierre Tornade, Claude Rich et Valérie Mairesse, "Une étrange affaire" (sorti le 23 décembre 1981), avec Michel Piccoli, Gérard Lanvin et Nathalie Baye (un film très ambigu), ou encore "L’Étoile du Nord" (sorti le 31 mars 1982), d’après un roman de Georges Simenon, avec Simone Signoret, Philippe Noiret et Fanny Cottençon. Il a fait jouer aussi Romy Schneider et Jean-Louis Trintignant.

Pierre Granier-Deferre fut reconnu par la profession avec l’attribution, en 1982, du César du meilleur scénario pour "L’Étoile du Nord". Dans les années 1990, il a également réalisé quelques épisodes de la série télévisée Maigret avec Bruno Cremer (et il continua à scénariser quelques épisodes dans les années 2000).

Pour lui rendre hommage, je voudrais m’attarder avec deux de ses films très emblématiques. Ils ne sont probablement pas les plus connus ni les plus commerciaux, mais ils m’ont particulièrement frappé quand je les ai vus pour la première fois.

Le premier que je veux évoquer est "Cours privé" sorti le 12 novembre 1986. Je l’ai vu un peu par hasard et inutile de dire qu’une impression de malaise m’avait rapidement envahi. Ce fut sans doute le film le plus "osé" de Pierre Granier-Deferre, avec de nombreuses scènes de nudité, propres plutôt à la décennie précédente.



L’histoire est la suivante : la très belle et jeune Jeanne (jouée par Élizabeth Bourgine) est professeur dans une école privée dirigée par un directeur assez douteux sur les relations humaines (joué par l’excellent Michel Aumont). Elle est tellement jeune qu’elle pourrait avoir l’âge de ses élèves. Suscitant la "convoitise" par sa beauté, elle séduit autant le directeur qu’un de ses collègues (joué par Xavier Deluc). Des photos sont diffusées dans l’école de manière anonyme évoquant des "parties fines" et représentant des jeunes femmes nues dont une, au visage caché, semble être Jeanne. Un engrenage de séduction et de chantage dans la mécanique d’un scandale étouffant. Jouent aussi dans ce film, entre autres, Emmanuelle Seigner et Pierre Vernier.



Pourquoi ai-je particulièrement eu envie de signaler ce film ? Peut-être parce qu’il a déjà plus de trente ans et qu’il est probable qu’il n’aurait jamais pu sortir en 2017, avec une atmosphère de politiquement correct qui refuserait ce genre de "scandale sexuel" où sont entremêlés voyeurisme glauque, homosexualité féminine, chantage affectif, sexe collectif, et jeux de séduction dans un milieu professionnel particulier puisque faisant intervenir des adolescents.

Si Élizabeth Bourgine (elle vient d’avoir 60 ans au début du printemps dernier), évidemment, crève l’écran dans ce film, c’est aussi dans ce film que j’ai découvert Michel Aumont dont j’ai apprécié le jeu trouble engendrant ce malaise. Pierre Granier-Deferre a gardé Élizabeth Bourgine dans ses deux films suivant "Cours privé", à savoir "Noyade interdite" (sorti le 2 décembre 1987) avec Philippe Noiret, Marie Trintignant, Guy Marchand et Suzanne Flon, et "La Couleur du vent" (sorti le 2 novembre 1988) avec Philippe Léotard, Fabrice Luchini, Jean-Pierre Bisson et Jean-Pierre Léaud.



L’autre film est dérangeant d’une autre manière, plutôt psychologiquement, avec "Le Chat" sorti le 24 avril 1971, d’après un roman de Georges Simenon, avec le duo mémorable de Jean Gabin et Simone Signoret (avec la participation d’Annie Cordy). C’est un couple de retraités qui ne s’aiment plus et qui vont refuser de se parler de vive voix, mais un chat va bousculer cette guerre de positions entre eux deux.





Au-delà de la tension psychologique très forte, ce film illustre aussi la grande urbanisation de l’époque où tout était construit pour l’automobile. La petite ville de Courbevoie, au début des années 1970, commençait à être engloutie dans le projet pharaonique de La Défense, au même titre que ses voisines Puteaux et Nanterre…


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Sylvain Rakotoarison (16 novembre 2017)
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Pour aller plus loin :
Pierre Granier-Deferre.
Barbara chantée par Depardieu.
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Jean Rochefort.
Gisèle Casadesus.
Gisèle Casadesus a 100 ans !
Le cinéma parlant.
Jacques-Yves Cousteau.
Peter Falk.
"Big Eyes" de Tim Burton.
Mireille Darc.
Fadwa Suleiman.
Claude Rich.
Francis Veber.
Mimie Mathy.
Victor Lanoux.
Robert Dalban.
Acting.
Disparition de Zsa Zsa Gabor, Michèle Morgan, Claude Gensac, Carrie Fisher et Debbie Reynolds (dessin).
Kirk Douglas.
Jean Gabin.
Michel Aumont.
Grace Kelly.
Alice Sapritch.
Thierry Le Luron
Pierre Dac.
Coluche.
Charles Trenet.
Georges Brassens.
Léo Ferré.
Christina Grimmie.
Abd Al Malik.
Daniel Balavoine.
Édith Piaf.
Jean Cocteau.
Yves Montand.
Gérard Depardieu.
Michel Galabru.
Bernard Blier.




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« Quand ma mère invitait une amie avec sa petite fille pour qu’elle joue avec moi, cela m’ennuyait prodigieusement. Du coup, je lisais devant la petite fille, que j’installais également sur une chaise pour qu’elle lise aussi ! Le reste du temps, j’étais un vrai diable, très farceuse, toujours prête à faire des blagues. Comme j’étais très souple, j’étais toujours en train d’escalader quelque chose. » ("Paris Match", le 23 mai 2014).




Il y a trois ans, elle avait publié un livre de souvenirs pour expliquer, comme son titre laissait imaginer, que cent ans, l’âge qu’elle venait d’avoir, finalement, c’était passé très vite. Le 24 septembre 2017 à Paris, la comédienne Gisèle Casadesus est passée de l’autre côté du rideau, à l’âge de 103 ans et trois mois, un âge pas si exceptionnel dans sa famille exceptionnelle d’artistes, de musiciens, de comédiens (voir ici pour plus de détail), au point que Wikipédia n’hésite pas à parler de "dynastie" ce qui est un peu exagéré, car la famille Casadesus n’a jamais eu que le pouvoir d’émouvoir, de divertir, d’éblouir le peuple, sans autre arrière-pensée de pouvoir et d’argent. Elle a été inhumée à l’entrée du cimetière d’Ars, sur l’île de Ré, le 28 septembre 2017, après une cérémonie au temple protestant de Saint-Martin-en-Ré.

À l’âge de 91 ans, elle avait décidé d’arrêter le théâtre (elle a reçu un Molière d’honneur pour toute sa carrière en 2003) car c’est assez éprouvant physiquement de jouer un rôle sur les planches, mais elle s’était réservée encore pour faire du cinéma (elle a toujours eu une bonne mémoire). Ce n’est pas commun : elle a eu une carrière de quatre-vingt-trois ans ! Son dernier film est sorti en juin 2017, un court-métrage de vingt-six minutes d’Aytl Jensen pour la télévision : "Si loin, si proche". Son premier film est sorti… le 18 juin 1934, "L’Aventurier" de Marcel L’Herbier (avec Jean Marais).



Le 4 juillet 1934, elle a eu le premier prix de comédie du Conservatoire d’art dramatique. Comme Michèle Morgan (partie le 20 décembre 2016 à 96 ans) et Jeanne Moreau (partie le 31 juillet 2017 à 89 ans), elle était une grande dame très respectée du cinéma français, reçue aussi bien par De Gaulle que par François Hollande qui lui a remis la médaille de grand officier de la Légion d'honneur attribuée le 17 septembre 2013, et elle fut récompensée une dernière fois par Emmanuel Macron le 12 juillet 2017 avec les dignités de grand-croix de la Légion d’honneur (en même temps que Monique Pelletier).





Comme beaucoup de monde, je l’avais vraiment découverte dans le film de Jean Decker "Tête en friche" sorti le 2 juin 2010, un film plein de tendresse. Gisèle tenait le premier rôle avec Gérard Depardieu. Si l’acteur talentueux m’avait paru en faire un peu trop, faisant un peu trop le cabotin à mon goût (un acteur si exceptionnel dans sa jeunesse), c’était très compensé par le rôle de la vieille dame tout en douceur, tout en fraîcheur, tout en amour.



Rencontrée dans un jardin public, Margueritte lit "La Peste" de Camus à Germain, un jardinier illettré. Presque une histoire d’amour, mais aussi un récit poignant sur la vieillesse et la perte d’autonomie des personnes âgées. Le film (scénario de Jean Decker et Jean-Loup Dabadie d’après un roman de Marie-Sabine Roger, et musique de Laurent Voulzy) a bénéficié d'un casting prestigieux (y jouent aussi François-Xavier Demaison, Maurane, Régis Laspalès, Patrick Bouchitey, Claire Maurier, etc.). Mais ce long-métrage avait quelques défauts à mon avis : un certain manque d’épaisseur des autres personnages (autres que les deux héros) et les trop nombreux "clichés" sur les pauvres, sur les cancres, sur la psychologie d’un enfant mal aimé par sa mère, sur les méchants adultes qui malmènent leur mère dépendante, etc. Cela n’a pas empêché ce film d’avoir un succès commercial (plus de 1,3 million d’entrées), qui est mérité, justifié par la prestation majestueuse de Gisèle Casadesus et par les thèmes abordés, assez originaux.





Gisèle avait alors été interviewée dans une émission sur le cinéma au moment de la diffusion de ce film sur France 3 le 13 décembre 2012 et elle m’avait époustouflé par sa vitalité, son dynamisme, ses sourires de gentillesse, sa capacité à voir la vie comme un immense don à chérir : « J’ai la chance de faire ce que j’aime. Et je suis reconnaissante à mes parents et au bon Dieu qui m’ont fait une bonne santé. » ("Le Parisien", juin 2014). Sa recette pour rester jeune de caractère : « La présence à mes côtés de mes huit petits-enfants et neuf arrière-petits-enfants. Ils m’apportent la vie, la jeunesse et la joie, m’évitent de me replier sur moi-même et m’obligent à vivre avec mon temps. » ("Paris Match", le 23 mai 2014).





Jean Decker et Gisèle Casadesus partageaient un point commun : ils avaient tous les deux une maison sur l’île de Ré ; Gisèle depuis 1922 : « Ma mère cherchait à l’époque un endroit tranquille, sans casino, où l’on puisse vivre sans être importuné. » (Ré Télé, en 2014). Cette maison était le lieu de rencontre de toute la famille Casadesus. Juste avant le tournage de "Tête en friche", un jour, le réalisateur croisa l’actrice de 95 ans qui faisait du vélo : il l’a alors vertement blâmée d’avoir pris le risque de se faire mal en cas de chute, alors qu’elle devait tourner bientôt dans son film ! D’ailleurs, elle a arrêté la même année de faire du vélo et préférait se laisser alors transporter sur le porte-bagages du vélo de son fils aîné, Jean-Claude Casadesus (81 ans) ; elle avait arrêté de conduire à l’âge de 90 ans.





Gisèle Casadesus avait reçu chez elle l’ancien ministre Daniel Vaillant, maire du dix-huitième arrondissement, le 13 avril 2013 pour fêter ses 99 ans. Elle habitait dans le dix-huitième arrondissement de Paris où elle est née : « Je n’ai jamais vécu ailleurs qu’ici, car je suis née dans cet immeuble ! Mon père avait d’abord habité à Montmartre, mais commençait à trouver son quartier trop agité. Mes parents ont donc choisi de s’installer à cette adresse en 1911, parce que la rue était tout à fait déserte ! (…) Enfin, mon frère Christian [décédé en 2014 à 101 ans] adorait y faire des fouilles qu’il revendait aux antiquaires du quartier, comme de vieux objets en étain. Je me souviens qu’une de nos grandes joies était de voir se monter la fête foraine du boulevard de Rochechouart » ("Paris Match", le 23 mai 2014).





Elle avait aussi répondu présente à l’ancien ministre Paul Quilès pour participer à un hommage à Jean Jaurès pour le centième anniversaire de son assassinat, en jouant le rôle d’une femme, née quelques minutes avant cet assassinat, parlant à son arrière-petit-fils étudiant qui prépare un mémoire sur Jaurès (spectacle créé par Claude Moreau : "Jaurès, une voix pour la paix" à Carmaux, en octobre 2013 puis en juillet 2014, elle avait alors 100 ans). Près de 5 000 spectateurs ont été émus par sa voix : « Son regard perçant, ses rides qui lui confèrent une beauté empreinte de sagesse, son jeu d’artiste plus que réaliste, en font la force du spectacle. » expliquait l’association "Histoire(s) du pays de Jaurès" le 14 juin 2014.


Aussi sur le blog.

Sylvain Rakotoarison (11 octobre 2017)
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Pour aller plus loin :
Jean Rochefort.
Gisèle Casadesus.
Gisèle Casadesus a 100 ans !
Le cinéma parlant.
Jacques-Yves Cousteau.
Peter Falk.
"Big Eyes" de Tim Burton.
Mireille Darc.
Fadwa Suleiman.
Claude Rich.
Francis Veber.
Mimie Mathy.
Victor Lanoux.
Robert Dalban.
Acting.
Disparition de Zsa Zsa Gabor, Michèle Morgan, Claude Gensac, Carrie Fisher et Debbie Reynolds (dessin).
Kirk Douglas.
Jean Gabin.
Michel Aumont.
Grace Kelly.
Alice Sapritch.
Thierry Le Luron
Pierre Dac.
Coluche.
Charles Trenet.
Georges Brassens.
Léo Ferré.
Christina Grimmie.
Abd Al Malik.
Daniel Balavoine.
Édith Piaf.
Jean Cocteau.
Yves Montand.
Gérard Depardieu.
Michel Galabru.
Bernard Blier.





http://rakotoarison.over-blog.com/article-sr-20170924-gisele-casadesus.html

https://www.agoravox.fr/culture-loisirs/culture/article/gisele-casadesus-est-passee-si-197694

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« Le bruit de crécelle de la caméra n’est pas le bienvenu lors des prises de vue sonores, elle se voit enfermée avec son opérateur dans une cabine insonorisée et se retrouve avec un fil à la patte. Allait-on oublier les travellings, les panoramiques et les subtilités du découpage ? Sûrement pas, mais l’on peut se féliciter que le cinéma soit né muet, car, privé des dialogues, il a été obligé d’inventer son propre langage qui en 1926, à l’arrivée du sonore, touche à la perfection. » (Marie-France Briselance et Jean-Claude Morin, "Grammaire du cinéma" éd. Nouveau Monde, 2010, cités par Wikipédia).





Il y a quatre-vingt-dix ans, le 6 octobre 1927, est sorti aux États-Unis le film "Le chanteur de Jazz" (titre original : "The Jazz Singer") réalisé par Alan Crosland (1896-1936). C’était un film musical produit par la Warner Bros Pictures qui avait une particularité : il est considéré comme le premier film parlant. L’acteur principal était le chanteur Al Jolson (1886-1950). La Warner Bros était une société de production cinématographique créée par quatre frères le 4 avril 1923.

Ce fut en effet le premier film long-métrage qui, non seulement, utilisait de la musique et des chansons en bande sonore, mais faisait aussi synchroniser quelques paroles (dans une séquence très courte pour ce film de 90 minutes).

La Warner Bros a utilisé le système Vitaphone qu’elle avait déjà essayé dans un court-métrage de 10 minutes avec le même acteur principal, Al Jolson, dans le film "Une scène dans la plantation" ("A Plantation Act"), réalisé par Philip Roscoe et sorti le 7 octobre 1926, qui était une sorte de spectacle chanté face à la caméra, avec quelques paroles synchronisées du héros : « Wait a minute ! Wait a minute ! You ain’t heard nothin’ yet ! » ["Attendez une minute ! Ouvrez grand vos oreilles ! Vous n’avez encore jamais rien entendu !"]. Cette phrase est devenue l’une des tirades "culte" du cinéma mondial (en tout cas, la première dans l’ordre chronologique).

Ces quelques paroles entendues dans ce court-métrage a eu un effet très fort sur le public en salle. C’était comme si le public avait assisté à un miracle : l’image parlait ! C’est pourquoi la Warner Bros a voulu reprendre cette tirade parlée dans un long-métrage.

Un autre film a permis aussi la réalisation de "The Jazz Singer", ce fut "Don Juan" réalisé par Alan Crosland (le même réalisateur) et sorti aux États-Unis le 6 août 1926, avec en acteur principal, une star, John Barrymore (1882-1942). Très long film d’amour (167 minutes) qui a apporté un grand succès commercial à la Warner Bros, il était le premier film sonore (mais non parlant). Toujours des intertitres pour les dialogues, mais beaucoup de musiques.



"The Jazz Singer" fut une étape essentielle dans l’histoire du cinéma puisque certaines scènes (des chansons et un monologue) furent parlants. Le reste resta dans la forme classique du cinéma muet, à savoir l’utilisation d’intertitres pour raconter l’histoire et faire les dialogues. Avec ce procédé Vitaphone, le son était enregistré par un graveur sur un disque en cire, et il était commandé par un moteur électrique synchrone, le même que celui qui commandait la caméra.

Entre deux chansons, et entre plusieurs paroles écrites, l’acteur principal sortit une parole face à la caméra (donc face au public, mais destinée à sa mère dans le scénario) en reprenant la tirade de "A Plantation Act". Effet garanti sur le public habitué seulement au cinéma muet.



Les coûts de production du film "The Jazz Singer" s’étaient élevés à 442 000 dollars de l’époque (soit environ 6 millions de dollars de maintenant), ce qui était énorme pour le cinéma de l’époque, une production dépassant rarement les 250 000 dollars. Mais l’investissement fut rentable puisque les recettes rien qu’aux États-Unis ont atteint 3 millions de dollars (de l’époque, toujours).

Le jour de sortie du film au théâtre de la Warner Bros à New York a été fixé pour que cela correspondît au Yom Kippour, un jour férié chez les Juifs, qui était le contexte clef du film. C’était très compliqué de projeter ce film, avec quinze bobines et quinze disques, et la projection fut une réussite tant technique que commerciale. On entendit dans la salle des ovations à la fin du film. Toutefois, aucun des quatre frères fondateurs de la Warner Bros n’a assisté à cette projection historique, car l’un d’eux, Sam Warner, est mort la veille d’une pneumonie et les trois survivants étaient partis l’enterrer en Californie.

Le succès renouvelé de "The Jazz Singer" montra la grande attente du public d’avoir accès au cinéma parlant. Une société de production concurrente, la Fox Film Corporation (fondée le 1^er février 1915 par William Fox), chercha à simplifier les moyens techniques en réussissant à enregistrer le son de manière optique sur la pellicule du film, mais le procédé n’était pas très fiable, les reproductions rendaient la qualité du son de plus en plus mauvaise et cela devenait rapidement inaudible. C’était le procédé Movietone qui avait l’avantage de mettre sur le même support images et son.

L’introduction du cinéma parlant dans le marché mondial cinématographique n’était pas évidente et moins rentable que le muet : la réalisation d’intertitres en langue du pays destinataire coûtait bien moins cher que la réalisation de doublages (les populations nationales réclamant des films à leur langue, se moquant même, pour les Britanniques, de l’accent américain). De plus, pour préserver la qualité sonore, il fallait enregistrer plus d’images par seconde (24 au lieu de 16 images par seconde), ce qui faisait augmenter d’un tiers les coûts matériels. En Europe, le premier film sonore qui a eu un succès commercial fut "Chantage" ("Blackmail"), sorti le 30 juin 1929 et réalisé par (le jeune) Alfred Hitchock (1899-1980), qui fit doubler in situ son héroïne car l’actrice (tchécoslovaque) ne parlait pas anglais.



L’histoire du cinéma a commencé quasiment avec l’histoire de la photographie, inventée par Nicéphore Niepce (1765-1833) vers 1824, et même sans la photographie dans l’idée de pouvoir utiliser des images différentes pour voir une apparence de mouvement. C’était le phénakistiscope inventé par le physicien Joseph Plateau (1801-1883) en 1832 avec des images peintes. L’ingénieur Jules Duboscq (1817-1886) adapta l’idée avec des images photographiques pour concevoir le bioscope en 1851. Ce fut l’astronome Jules Janssen (1824-1907) qui développa un appareil photo pour prendre plusieurs photos à répétition en 1874 (le revolver astronomique), dans le but d’observer le passage de Vénus devant le Soleil. D’autres à la même époque ont inventé différents appareils pour étudier le mouvement en le décomposant, avec des appareils comme le zootrope du médecin Étienne-Jules Marey (1830-1904) et du photographe Eadweard Muybridge (1830-1904) en 1878, comme le praxinoscope du photographe Émile Reynaud (1844-1918) en 1888, etc.

Le cinéma n’a véritablement "commencé" qu’à partir de l’industriel Thomas Edison (1847-1931), fondateur de General Electric et de Continental Edison, avec le kinétograph en 1892, puis de l’ingénieur Louis Lumière (1864-1948) avec le cinématographe en 1895 : la première projection publique d’un film a eu lieu le 28 décembre 1895. Mais tout cela était encore en recherche et pas accessible au grand public, car Louis Lumière considérait que c’était « une curiosité scientifique sans avenir commercial ».

Le premier véritable réalisateur de films à but de divertissement et pas de curiosité scientifique fut l’ancien illusionniste Georges Méliès (1861-1938) qui comprit l’intérêt pour le grand public de cette invention extraordinaire. Il réalisa à partir de 1896 plusieurs milliers de courts-métrages dont le célèbre "Le voyage dans la Lune", sorti le 1^er septembre 1902, où il développa les premiers rudiments des trucages. Ce film, qui a connu un très grand succès commercial, a d’ailleurs été copié illégalement dès sa sortie, parfois par de grandes entreprises américaines, pour de faire de gros profits qui ne rapportèrent pas aux auteurs du film de 14 minutes.

L’industrie du cinéma (forcément muet dans ce premier temps) s’est vite développée en raison de l’enthousiasme du public, avec la mise sur orbite de nouvelles stars, souvent des comiques ou des chanteurs (à partir de 1910, Max Linder est devenu une vedette mondiale, avant Buster Keaton, Charlie Chaplin, etc.). La Première Guerre mondiale a ralenti le bouillonnement cinématographique en Europe mais a favorisé Hollywood qui est alors devenu la première place mondiale du cinéma, ce qui explique que le son soit venu des États-Unis, dans une collaboration entre Hollywood (cinéma) et Broadway (musique et spectacle).

Je résume bien sûr trop rapidement et très mal cette histoire beaucoup plus riche et subtile qu’exposée ici, mais l’idée était surtout de rappeler que le cinéma muet a été un élément majeur du cinéma tout court (donc parlant). On imagine mal cet art se développer de cette manière sans les metteurs en scène cherchant à faire comprendre par la seule image, et sans le son, un certain nombre d’éléments de l’histoire.

C’est ainsi que furent imaginées les différentes techniques de cadrage, les travellings, les gros plans et les montages élaborés, à l’instar de Giovanni Pastrone (1883-1959), inventeur du travelling, et surtout de David Wark Griffith (1875-1948), qui l’utilisa souvent dans ses productions. Ces principes de cadrage n’étaient pas réservés au seul cinéma puisque, très en avance sur son temps et probablement grâce à la proximité de son frère Martial Caillebotte (1853-1910), photographe et musicien, le peintre impressionniste Gustave Caillebotte (1848-1894) les avait déjà utilisés quelques décennies auparavant pour ses toiles représentant des scènes de vie quotidienne (œuvres rejetées ou ignorées par la critique jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale).


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Sylvain Rakotoarison (05 octobre 2017)
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