« Dès le XVIII^e siècle, il est devenu l’écrivain classique de référence, admiré entre autres par Voltaire, et il reste toujours au premier plan dans les études littéraires, comme en attestent les listes d’œuvres complètes du lycée qui viennent de paraître où sa tragédie Phèdre est à l’honneur. » (Jean-Christophe Pellat, le 29 mai 2019).


 

Le dramaturge et poète français Jean Racine est mort à l'âge de 59 ans (né le 22 décembre 1639) il y a 325 ans, le 21 avril 1699 à Paris. Auteur monumental de la littérature française, répertorié dans les manuels scolaires depuis des siècles, il est le symbole de la littérature classique, celle qui s'exprime en alexandrins de manière rigoureuse et synthétique, où la vertu politique est soumise aux aléas de la passion personnelle et où les unités de temps, de lieu et d'action sont strictement respectées. Il partage avec Molière (1622-1673) et Pierre Corneille (1606-1684) la principale représentation littéraire du XVI^e siècle, ils font tous les trois partie des auteurs de théâtre encore les plus joués en France. Racine est connu pour ses tragédies (comme Corneille) autant que Molière pour ses comédies. Racine est néanmoins l'auteur d'une unique comédie "Les Plaideurs" (1668). Il fut notamment l'ami de Molière et de Boileau (1636-1711).

Les tragédies de Racine sont très connues parce que tous les Français ont eu l'occasion de les étudier de près au cours de leur scolarité, en particulier : "Andromaque" (1667), "Britannicus" (1669), "Bérénice" (1670), "Bajazet" (1672), "Mithridate" (1673), "Iphigénie" (1674) et sans doute son chef-d'œuvre "Phèdre (et Hippolyte)" (1677), dans un mélange de théâtre antique et de jansénisme qu'il a connu à Port-Royal où il a été élevé (par sa tante devenue abbesse, car il était orphelin de mère en 1641 et de père en 1643 ; Racine a d'ailleurs été un exemple exceptionnel d'ascension sociale dans la société très rigide de l'Ancien Régime).

Pour Jean-Christophe Pellat, professeur de linguistique à l'Université de Strasbourg (dans le Grevisse) : « La conception pessimiste de l’homme qui y règne, être misérable sans Dieu, façonne la vision tragique au cœur des pièces de Racine (L. Goldmann. "Le Dieu caché"). (…) [Racine] a créé des figures tragiques remarquables, comme Andromaque ou Phèdre. Son style classique est "une alliance sans exemple d’analyse et d’harmonie" (P. Valéry). Au-delà des procédés de style éprouvés (l’allitération de "Pour qui sont ces serpents qui sifflent sur vos têtes ?"), sa poésie du rythme exprime l’émotion et l’élan du cœur, comme ces paroles de Bérénice à Titus : "Dans un mois, dans un an, comment souffrirons-nous, Seigneur, que tant de mers me séparent de vous ?" ("Bérénice"). Ses évocations sensibles créent une atmosphère fantastique : "Songe, songe, Céphise, à cette nuit cruelle, Qui fut pour tout un peuple une nuit éternelle". ("Andromaque"). Car, pour Racine, "la principale règle est de plaire et de toucher" (préface de "Bérénice"). ».

Dès le succès de sa deuxième tragédie "Alexandre le Grand" (1665), Racine fut le protégé de roi Louis XIV (1638-1715) qui avait quasiment le même âge que l'écrivain. Il fut trésorier de France, secrétaire du roi et gentilhomme ordinaire de sa chambre. Racine fut élu membre de l'Académie française le 5 décembre 1672 au fauteuil de François de La Mothe Le Vayer (le fauteuil 13 qui sera aussi celui d'Octave Feuillet, Pierre Loti, Paul Claudel, Maurice Schumann, Pierre Messmer et Simone Veil) et a été reçu le 12 janvier 1673. Il n'avait alors que 33 ans.

Lors de cette journée, ils étaient trois académiciens à être reçus, et pour la première fois, ces réceptions étaient publiques. Racine a prononcé très timidement son discours de réception après celui de l'abbé Valentin Esprit Fléchier (1632-1710), futur évêque de Nîmes et considéré comme l'un des grands orateurs du XVII^e siècle. Le discours de Fléchier a eu un grand succès, si bien que celui de Racine fut accueilli beaucoup moins chaleureusement, au point qu'il n'a pas voulu le faire imprimer (et qu'il est donc aujourd'hui inconnu). Jean d'Alembert (1717-1783), qui fut académicien à partir de 1754, a rapporté ainsi cette réception, cité par Tyrtée Tastet en 1840 : « [Esprit Fléchier] y parla le premier, et obtint de si grands applaudissements que l'auteur d'Andromaque et de Britannicus désespéra d'avoir le même succès. Le grand poète fut tellement intimidé et déconcerté en présence de ce public qui tant de fois l'avait couronné au théâtre, qu'il ne fit que balbutier en prononçant son discours ; on l'entendit à peine, et on le jugea néanmoins comme si on l'avait entendu. ». Esprit Fléchier a une statue à son effigie place Saint-Sulpice à Paris. L'abbé Jean Gallois (1632-1707) fut le troisième académicien reçu le même jour.

Le discours de réception à l'Académie n'est pas le seul écrit perdu de Racine. Nommé historiographe du roi, il fut désigné en 1677 pour rédiger l'histoire de Louis XIV avec Boileau. Leurs manuscrits furent confiés à leur ami Jean-Baptiste-Henri de Valincour (1653-1730), futur successeur de Racine au fauteuil 13, et, malheureusement, ont péri en 1726 dans l'incendie de sa bibliothèque (contenant près de huit mille volumes).

En revanche, le discours de Racine de réponse à la réception à l'Académie le 2 janvier 1685 de Thomas Corneille (1625-1709), succédant à son frère Pierre Corneille, et de l'avocat Jean-Louis Bergeret (1641-1694), succédant à Louis Géraud de Cordemoy (1626-1684), a été publié, et c'est une chance puisqu'il a été considéré comme un très bon discours, que son auteur a dû répéter devant le roi le 5 mars 1685 et devant Madame la Dauphine le 20 mars 1685.

En particulier dans son éloge de son ami Corneille : « [L'Académe] a regardé la mort de Monsieur de Corneille, comme un des plus rudes coups qui la pût frapper ; car bien que depuis un an, une longue maladie nous eût privés de sa présence, et que nous eussions perdu en quelque sorte l’espérance de le revoir jamais dans nos assemblées, toutefois il vivait, et l’Académie dont il était le doyen, avait au moins la consolation de voir dans la liste, où sont les noms de tous ceux qui la composent, de voir, dis-je, immédiatement au-dessous du nom sacré de son auguste protecteur, le fameux nom de Corneille. Et qui d’entre-nous ne s’applaudissait pas en lui-même, et ne ressentait pas un secret plaisir d’avoir pour confrère un homme de ce mérite ? (…) La scène retentit encore des acclamations qu’excitèrent à leur naissance, le Cid, Horace, Cinna, Pompée, tous ces chef-d’œuvres représentés depuis sur tant de théâtres, traduits en tant de langues, et qui vivront à jamais dans la bouche des hommes. À dire le vrai, où trouvera-t-on un poète qui ait possédé à la fois tant de grands talents, tant d’excellentes parties ? L’art, la force, le jugement, l’esprit ! Quelle noblesse, quelle économie dans les sujets ! Quelle véhémence dans les passions ! quelle gravité dans les sentiments ! Quelle dignité, et en même temps, quelle prodigieuse variété dans les caractères ! Combien de Rois, de Princes, de Héros de toutes nations nous a-t-il représentés, toujours tels qu’ils doivent être, toujours uniformes avec eux-mêmes, et jamais ne se ressemblant les uns aux autres ! Parmi tout cela, une magnificence d’expression proportionnée aux maîtres du monde qu’il fait souvent parler ; capable néanmoins de s’abaisser quand il veut, et de descendre jusqu’aux plus simples naïvetés du comique, où il est encore inimitable ; enfin, ce qui lui est surtout particulier une certaine force, une certaine élévation qui surprend, qui enlève, et qui rend jusqu’à ses défauts, si on lui en peut reprocher quelques-uns, plus estimables que les vertus des autres. Personnage véritablement né pour la gloire de son pays, comparable, je ne dis pas à tout ce que l’ancienne Rome a eu d’excellents tragiques, puisqu’elle confesse elle-même qu’en ce genre elle n’a pas été fort heureuse, mais aux Eschyles, aux Sophocles, aux Euripides dont la fameuse Athènes ne s’honore pas moins que des Thémistocles, des Périclès, des Alcibiades, qui vivaient en même temps qu’eux. (…) Lorsque dans les âges suivants l’on parlera avec étonnement des victoires prodigieuses, et de toutes les grandes choses qui rendront notre siècle l’admiration de tous les siècles à venir, Corneille, n’en doutons point, Corneille tiendra sa place parmi toutes ces merveilles. La France se souviendra avec plaisir que sous le règne du plus grand de ses Rois a fleuri le plus célèbre de ses poètes. On croira même ajouter quelque chose à la gloire de notre auguste monarque, lorsqu’on dira qu’il a estimé, qu’il a honoré de ses bienfaits cet excellent génie ; que même deux jours avant sa mort, et lorsqu’il ne lui restait plus qu’un rayon de connaissance, il lui envoya encore des marques de sa libéralité, et qu’enfin les dernières paroles de Corneille ont été des remerciements pour Louis-le-Grand. ».

C'est au 24 rue Visconti dans le sixième arrondissement de Paris (dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés) que Racine est mort le 21 avril 1699 d'une tumeur au foie. Selon ses dernières volontés, il a été enterré à Port-Royal (il s'était brouillé puis réconcilié avec les jansénistes de Port-Royal ; selon l'expression du site jeanracine.org : « [il] resta le courtisan respectueux écartelé entre la faveur du roi et la fidélité à Port-Royal » ; il n'a pas eu le temps de finir son "Abrégé de l'histoire de Port-Royal" rédigé secrètement), puis ses restes ont été délogés et transférés en 1711 à l'église Saint-Étienne-du-Mont de Paris après la destruction de Port-Royal par Louis XIV.
 

C'est le successeur de Racine à l'Académie qui fut chargé de faire son éloge (comme c'est de coutume) le 27 juin 1699 lors de sa réception. Jean-Baptiste-Henri de Valincour déclara notamment : « M. Racine conduit par son seul génie, et sans s’amuser à suivre ni même à imiter un homme que tout le monde regardait comme inimitable, ne songea qu’à se faire des routes nouvelles. Et tandis que Corneille peignant ses caractères d’après l’idée de cette grandeur romaine, qu’il a le premier mise en œuvre avec tant de succès, formait ses figures plus grandes que le naturel, mais nobles, hardies, admirables dans toutes leurs proportions ; tandis que les spectateurs entraînés hors d’eux-mêmes, semblaient n’avoir plus d’âmes que pour admirer la richesse de ses expressions, la noblesse de ses sentiments, et la manière impérieuse dont il maniait la raison humaine. M. Racine entra, pour ainsi dire, dans leur cœur et s’en rendit le maître ; il y excita ce trouble agréable qui nous fait prendre un véritable intérêt à tous les événements d’une fable que l’on représente devant nous ; il les remplit de cette terreur et de cette pitié qui, selon Aristote, sont les véritables passions que doit produire la tragédie ; il leur arracha ces larmes qui font le plaisir de ceux qui les répandent ; et peignant la nature moins superbe peut-être et moins magnifique, mais aussi plus vraie et plus sensible, il leur apprit à plaindre leurs propres passions et leurs propres faiblesses, dans celles des personnages qu’il fit paraître à leurs yeux. Alors le public équitable, sans cesser d’admirer la grandeur majestueuse du fameux Corneille, commença d’admirer aussi les grâces sublimes et touchantes de l’illustre Racine. Alors le théâtre français se vit au comble de sa gloire, et n’eut plus de sujet de porter envie au fameux théâtre d’Athènes florissante : c’est ainsi que Sophocle et Euripide, tous deux incomparables et tous deux très différents dans leur genre d’écrire, firent en leur temps l’honneur et l’admiration de la savante Grèce. Quelle foule de spectateurs, quelles acclamations ne suivirent pas les représentations d’Andromaque, de Mithridate, de Britannicus, d’Iphigénie et de Phèdre ! Avec quel transport ne les revoit-on pas tous les jours, et combien ont-elles produit d’imitateurs, même fort estimables, mais qui toujours fort inférieures à leur original, en font encore mieux concevoir le mérite ! Mais, lorsque renonçant aux muses profanes, il consacra ses vers à des objets plus dignes de lui, guidé par des conseils et par les ordres que la sagesse même avouerait pour les siens, quels miracles ne produisit-il pas encore ! Quelle sublimité dans ses cantiques, quelle magnificence dans Esther et dans Athalie, pièces égales, ou même supérieures à tout ce qu’il a fait de plus achevé, et dignes par-tout, autant que des paroles humaines le peuvent être, de la majesté du Dieu dont il parle, et dont il était si pénétré ! En effet, tous ceux qui l’ont connu savent qu’il avait une piété très-solide et très-sincère, et c’était comme l’âme et le fondement de toutes les vertus civiles et morales que l’on remarquait en lui : ami fidèle et officieux, et le meilleur père de famille qui ait jamais été, mais sur-tout exact et rigide observateur des moindres devoirs du christianisme, justifiant en sa personne ce qu’a dit un excellent esprit de notre siècle : que si la religion chrétienne paraît admirable dans les hommes du commun par les grandes choses qu’elle leur donne le courage d’entreprendre, elle ne le paraît pas moins dans les plus grands personnages par les petites choses dont elle les empêche de rougir. ».

Mais probablement que l'éloge le plus touchant provient d'un autre grand écrivain, André Gide (1869-1951), par ailleurs Prix Nobel de Littérature en 1947, qui s'émerveillait de Racine : « J'ai aimé les vers de Racine par-dessus toutes productions littéraires. J'admire Shakespeare énormément ; mais j'éprouve devant Racine une émotion que ne me donne jamais Shakespeare : celle de la perfection. ». La statue de Jean Racine trône aujourd'hui au flanc du Louvre.


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Sylvain Rakotoarison (20 avril 2024)
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« Par ma formation, je suis d’abord compositeur. Je suis devenu chef d’orchestre par hasard, mais cela fonctionne bien, car j’ai une bonne communication avec les musiciens. Au pupitre, je m’évertue à créer les œuvres de mon temps. Sur ce terrain, je suis le meilleur ! J’ai eu le privilège de fréquenter Messiaen, Stockhausen et Boulez, parmi beaucoup d’autres compositeurs du siècle dernier. J’ai également rencontré [Elliott] Carter [1908-2012], dont j’ai créé un concerto alors qu’il avait 103 ans ! Mon vécu de chef d’orchestre d’avant-garde a nourri mon expérience de compositeur, et vice versa. » '(Péter Eötvös, le 15 octobre 2019 pour "Crescendo Magazine").



 

Le lendemain de la disparition du grand pianiste Maurizio Pollini, un autre très grand musicien, d'origine hongroise, jeune octogénaire, a également tiré sa révérence. Péter Eötvös, qui est mort le dimanche 24 mars 2024, était un compositeur et un chef d'orchestre, il venait d'avoir 80 ans il y a trois mois, le 2 janvier 1944.

Né dans un village de Transylvanie qui est maintenant roumain, Péter Eötvös a fui l’avancée des Soviétiques jusqu’en Allemagne. Après la guerre, il est retourné en Hongrie où, fils d’une pianiste qui l’emmenait dans de nombreux concerts à Budapest, il s’est inspiré de Bartok, Kodaly et Ligeti, les deux derniers qu’il a rencontrés et qui l’ont formé. Comme Kurtag et Ligeti, il quitta Budapest pour l’Allemagne et s’est installé à Cologne en 1970 où il rencontra Stockhausen qui le recruta. En 1978, alors que Péter Eötvös est déjà renommé, Pierre Boulez l’appela pour qu’il fût auprès de lui à Paris. Dans ses compositions, Péter Eötvös a en particulier rendu hommage à des metteurs en scène comme Jacques Tati, Peter Brook et Patrice Chéreau. Parmi ses œuvres, il a composé six opéras.

Je reviendrai probablement sur ce grand musicien. Je voudrais d'abord seulement évoquer le concert auquel j'ai eu la chance d'assister il y a un peu moins d'une dizaine d'années. Il s'agissait clairement d'une Carte blanche donnée à Péter Eötvös, organisée par la direction de la musique de Radio France qui voulait célébrer (avec un peu de retard) à la fois le soixante-dixième anniversaire du compositeur et chef d'orchestre, et l'inauguration du Grand Auditorium de la Maison de la Radio, troisième nouvelle salle de concert à Paris (dans le cadre de la rénovation gargantuesque de la Maison de la Radio) avec la Philharmonie de la Villette et la Seine Musicale, à Boulogne-Billancourt, sur une île anciennement usine de la régie Renault. À cette double occasion, France Musique a organisé deux concerts exceptionnels le 21 et 22 novembre 2014, dont l'enregistrement a donné lieu à un disque.

Je suis allé au second concert, celui du samedi 22 novembre 2014, où Péter Eötvös a dirigé trois de ses concertos avec des solistes extraordinaires ainsi qu’une œuvre de Pierre Boulez dont il a dirigé, de 1979 à 1991 (il avait alors 35 ans) l’Ensemble Intercontemporain qui est un orchestre très réputé créé par Pierre Boulez en 1976 et qui fut également dirigé (juste avant Péter Eötvös) par Michel Tabachnik de 1978 à 1979, le chef d’orchestre (et aussi compositeur) qui a été impliqué dans le massacre de l’Ordre du temple solaire (il a été relaxé car il a été considéré comme sans influence dans la secte).

Si le concert du 21 novembre 2014 était produit par l’Ensemble Intercontemporain, celui du 22 l’était par l’Orchestre Philharmonique de Radio France, l'un des deux grands orchestres de l'audiovisuel public.

Comme écrit précédemment, les lieux étaient nouveaux puisqu’il s’agissait de l’un des tout premiers concerts qui se sont déroulés dans cette nouvelle salle. En général, le Philharmonique jouait à la Salle Pleyel. Ce serait à partir de cette date "at home".

Malgré le tarif unique de quinze euros, la salle était loin d’être remplie, parce que c’était de la musique moins conventionnelle que celle habituellement écoutée par le grand public. Néanmoins, le rez-de-chaussée et les balcons du premier étage étaient quasiment pleins, ce qui était déjà pas mal.

Il y a même eu la queue dans le hall, à l’entrée de la salle, vers dix-neuf heures. Il faut dire que c’était placement libre et que la société des hôtesses qui accueillaient le public n’était pas encore très habituée aux lieux. Qu’importe, j’avais largement le temps de m’installer après une dizaine de minutes d'attente et j’ai pris le risque de me retrouver tout devant, dans la deuxième rangée. L’estrade était à un mètre de mes yeux.

À vingt heures pile (à l’heure !), le directeur de la musique de Radio France (je crois qu'il s'agissait de Jean-Pierre Rousseau, mais je n'en suis pas certain) a fait un court speech pour présenter ses meilleurs vœux à Péter Eötvös. Le concert serait rediffusé sur France Musique ultérieurement.

Les musiciens portaient plutôt des habits décontractés, tout en noir ; les hommes, avec une chemise noire, ne portaient pas de cravate ni nœud papillon, mais col ouvert. Ce qui est très rare dans les concerts de ce style.

Péter Eötvös semblait particulièrement humble et bienveillant, esquissant souvent de grands sourires pendant qu’il jouait, au point que beaucoup de musiciens souriaient aussi, franchement, c’était très joyeux. Avec toute sa prévenance, je l’imaginais mal engueuler les musiciens lors des répétitions (mais je peux me tromper, les apparences peuvent être trompeuses). Malgré sa renommée, il ne semblait pas se prendre pour une star capricieuse. Ainsi, lors du troisième concerto, il s’est aperçu que sa partition n’était pas la bonne, il n’a rien dit, a juste quitté la scène pour aller chercher la bonne, et à la fin de ce concerto, comme c’était l’entracte, il est retourné sur la scène alors que les techniciens s’affairaient pour y placer lui-même les bonnes partitions pour la prochaine partie. D'autres que lui auraient pu pousser, à sa place, des cris enragés contre un malheureux assistant.

S’il était joyeux et souriant, Péter Eötvös montrait aussi qu’il était assez fatigué physiquement, ne marchant pas trop vite, bougeant assez lentement, alors que j’ai connu des chefs d’orchestre bien plus âgés que lui avec une énergie physique incroyable et débordante (entre autres, Pierre Boulez).

Et je me suis régalé pendant cette soirée. Pourtant, je l'appréhendais un peu ; je ne connaissais pas Péter Eötvös, ni sa musique, et c’était justement parce que je ne le connaissais pas que j’avais la curiosité d’aller l’entendre (et puis, comme il proposait du Boulez, je n’avais pas eu trop d’hésitation !).

La première partie avant l’entracte était la plus longue, avec trois concerto de Péter Eötvös. Puis, une œuvre de Boulez pour la fin.


1. Le premier concerto (vingt-quatre minutes).

"Péter Eötvös : Speaking Drums, concerto pour percussions (2012-2013)"

Ce n’est peut-être pas celui que j’ai le plus aimé, mais c’était le plus percutant, euh, le plus fascinant. Et j’étais vraiment heureux d’avoir été tout devant car entre le pupitre du chef et le public, il y avait de la grosse artillerie, un ensemble d’une dizaine ou quinzaine d’instruments de percussion assez originaux joués par le même soliste, l’autrichien Martin Grubinger (31 ans à l'époque), lui habillé d’un tee-shirt noir.

Né à Salzbourg, Martin Grubinger est un petit génie de la percussion puisqu’il a commencé à 4 ans, a participé à ses premiers concerts à 5 ans et soliste à 10 ans. Il a créé aussi une œuvre de Tan Dun spécialement composée pour lui, "Tears of Nature", en 2012. Il y avait quelque temps, j’avais écouté Tan Dun diriger un orchestre.

Tout de ce premier concerto de la soirée reposait donc sur ce percussionniste performant (et impressionnant), à tel point que je me suis demandé à quoi servait le chef tant le rythme de la percussion dirigeait l’ensemble. Il s’agissait de poèmes hongrois.

Très rapidement le soliste s’est mis à crier, à parler devant le public avec un grand sourire peut-être niais, les yeux très fixes, répétant certains mots qu’il martelait. Et un rythme incroyable à la baguette. Sur plein d’instruments parfois très surprenants. Juste devant moi, je m’étais dit, en attendant le début du concert, que j’avais deux abat-jour. C’étaient deux instruments qui faisaient un bruit assez grave lorsque le soliste, après avoir mouillé ses mains, a serré une corde au niveau du cylindre et est descendu lentement (cela me faisait penser à de la sonorisation pour film).

L’un des derniers instruments était assez extraordinaire : deux techniciens sont venus entourer le soliste, l’un présentant une petite poêle et une casserole, l’autre un casque de travaux (clin d’œil au grand auditorium et à la Maison de la Radio encore en travaux ?) et il y avait un autre instrument (que j’ai oublié). Le batteur a joué dessus avec ses baguettes. Je venais pour la première fois d’écouter de la musique de casseroles, et ce n’était pas pour me déplaire !

L’énergie incroyable de Martin Grubinger a vraiment frappé le public, et c’était lui qui avait créé ce concerto de ces quatre poèmes pour percussion solo et orchestre. D’ailleurs, dans le programme, il était expliqué qu’il avait créé ce concerto en 2014-2015, donc, peut-être même qu’il venait de créer ce concerto devant mes yeux ! J’imagine en fait mal "Speaking Drums" joué par un autre percussionniste tant son agilité, sa dextérité, son expression (c’était presque de la danse), sa concentration étaient exceptionnelles. Renseignement pris, le concerto a été créé le 27 septembre 2013 à Monte Carlo.
 

Inspiré par Bartok, à l’affût des sonorités inédites, le concerto reprend donc quatre poèmes, trois de Sandor Weores, et un texte retranscrit phonétiquement de Jayadeva. « Le concerto étudie les degrés discursifs à partir d’une répétition obsessive et quasi-enfantine. (…) Progressivement, la phase se complique. Phonèmes, syllabes et termes déconnectés se fondent, provoquent toutes sortes d’assonances et de consonances jusqu’à l’ultime polyrythmie ».

Hélas, il n’y avait pas beaucoup d’enfants dans la salle, mais je suis persuadé qu’ils auraient été fascinés et auraient vu la musique contemporaine d’un autre œil… enfin, auraient entendu la musique contemporaine d’une autre oreille.

J’avoue que j’ai été aussi un peu enfant, et comme la scène se déroulait tout près de moi, j’ai été assez distrait par le jeu du percussionniste pour prendre la pleine mesure de l’œuvre musicale en elle-même. J’espère donc avoir la possibilité, un jour, de pouvoir la réécouter les yeux fermés, pour bien m’imprégner des poèmes sans me faire polluer par les mouvements du percussionniste.

Après chaque concerto, une armée de techniciens envahissaient la scène pour changer l’emplacement des instruments et des sièges, des micros etc. Pour cette soirée, d’ailleurs, vraiment chapeau à ces techniciens de l’ombre (enfin, là, ils étaient dans la lumière puisque le public était présent), qui devaient avoir de quoi stresser à chaque mouvement.

Pour l’anecdote, le deuxième concerto avait un violoncelliste pour soliste. Les techniciens ont donc installé près de l’estrade du chef une autre estrade, de couleur noire, pour le violoncelliste. Je m’étais dit en la voyant que cela me faisait penser à un cercueil, dont la forme était un peu similaire. Sur le côté le plus large, une chaise a été installée pour le soliste. Heureusement que certaines personnes du public avaient l’œil, car elles ont tout de suite averti le chef des techniciens de faire attention : l’un des pieds de la chaise était posé dans le vide, ce qui aurait pu être très grave, et soudain, je me disais que l’image du cercueil qui venait de circuler dans ma tête n’était pas anodine. À la fin de l’installation, par humour, le chef des techniciens s’est tourné vers le public en lui demandant si c’était bien installé.

Comme je voyais bien la porte qui s’ouvrait et fermait, parfois les têtes qui dépassaient de la porte, celle de l’entrée du chef d’orchestre, j’ai pu comprendre que deux techniciens vérifiaient systématiquement avant chaque œuvre jouée que tout était correct, qu’aucun musicien de l’orchestre n’avait de problème avant de donner le signal pour l’entrée du chef et du soliste.


2. Deuxième concerto (trente et une minutes)

"Péter Eötvös : Concerto grosso pour violoncelle et orchestre (2010-2011)"

C’était le moment que j’ai le plus apprécié de la soirée. Ce concerto était magnifique et merveilleusement bien joué par le violoncelliste Jean-Guihen Queyras qui a reçu pas mal d’ovations lui aussi.

Dans ce concerto, j’ai ressenti quelques similitudes avec des quartets de Shostakovich, le violoncelle menant la troupe jusqu’à un sentiment de véritable joie. Jean-Guihen Queyras était également très souriant pendant qu’il jouait.

À 47 ans, Jean-Guihen Queyras en paraissait quinze de moins. Pendant une dizaine d’années, de 1990 à 2001, il a collaboré au sein de l’Ensemble Intercontemporain comme soliste sous la direction de Pierre Boulez, qui a été pour lui son mentor, et il a été nommé aux Victoires de la musique en 2008. Il a créé beaucoup de concertos dont certains de Bruno Mantovani. Son violoncelle date de 1696. Il a enregistré beaucoup de disques, Bach, Britten, Boulez, Haydn, Dvorak, Kurtag, Kodaly, Schubert et aussi Berg avec le pianiste Alexandre Tharaud.

La particularité de ce concerto créé le 16 juin 2011 à Berlin est la mise en abyme de plusieurs niveaux d’échanges : entre le soliste et les huit violoncelles, entre les violoncelles et le reste de l’orchestre. « Danse contre cadence, orchestre et soliste se rejoignent dans de joyeux échos de fête. ». Avec trois mouvements : énergique, méditatif, et frais et étincelant.

Quand Eötvös a écouté pour la première fois son concerto pendant des répétitions en 2011, il trouvait que le soliste n’était pas assez entendu. Il lui a demandé de jouer plus fort, mais ce n’était pas suffisant. Il a demandé à l’orchestre (le Philharmonique de Berlin) de jouer moins fort, mais ce n’était pas suffisant. Cela a commencé à aller quand il a carrément supprimé les cuivres. Loin d’être affectés, les musiciens rendus au silence ont trouvé cela intéressant. Eötvös raconta : « J’étais désespéré. Qu’allaient dire les musiciens de cette maladresse de compositeur ? J’avais honte. Pendant la pause, j’ai pourtant découvert qu’ils avaient perçu ces changements très différemment de ce que je craignais. Ils m’ont dit tout net que c’était fort intéressant d’apprendre comment un compositeur écoutait et pensait sa musique, et comment, en tant que chef d’orchestre, il parvenait à réaliser de telles corrections dans les plus brefs délais. Rassuré, j’ai instantanément envoyé les corrections à mon éditeur. ».






3. Troisième concerto (vingt-sept minutes)

"Péter Eötvös : DoRéMi, concerto pour violon et orchestre n°2 (2012)"

Étrangement, ce fut un morceau qui m’a un peu ennuyé, mise à part l’échange entre la soliste et un alto. Pourtant, j’avais déjà écouté la soliste, la violoniste japonaise Midori Goto, dans un concert avec Boulez. Elle ne souriait pas du tout, dans sa longue robe, peut-être parce qu’elle était très concentrée.

Née à Osaka, elle avait alors 43 ans mais en paraissait dix de plus (je sais que ce n’est pas très galant de dire cela), et elle a joué dans son premier concert à l’âge de 11 ans (elle avait 6 ans à sa première prestation publique), et a enregistré son premier disque à l’âge de 14 ans. Son violon date de 1734. Elle a enregistré beaucoup de disques : Bach, Vivaldi, Paganini, Dvorak, Poulenc, Sibelius, Franck, Mozart, Tchaïkovski, Mendelssohn, Bartok, Shostakovich, etc.

Cette œuvre fut dédiée à Kurtag, comme un retour en enfance, un voyage rétrospectif. Puis l’enfant grandit avec des notes plus subtiles : « Cela crée une immense tension et des conflits vont apparaître, comme dans la vie réelle, où les situations dramatiques peuvent évoluer. ». Ce concerto DoRémi de Eötvös a été créé par Midori Goto le 18 janvier 2013 à Los Angeles et a aussi été enregistré (toujours avec Midori Goto) pour Sony.






4. Œuvre de Pierre Boulez (vingt et une minutes)

"Pierre Boulez : Notations 1, 7, 4, 3 et 2"

Après un entracte de vingt-cinq minutes où l’on pouvait s’acheter une coupe de champagne pour dix euros, ou une barre de Mars pour trois euros (il n’y avait pas grand-chose sur l’étalage !), la scène était de nouveau méconnaissable : cent dix musiciens du Philharmonique étaient déjà installés, les chaises étaient placées tout contre le bord de l’estrade, j’avais carrément le nez à deux doigts d’un alto ! (enfin d’une alto, charmante par ailleurs !). La scène était particulièrement petite pour un tel ensemble sur scène.

Chaque "Notation" de Boulez était assez différente. Péter Eötvös reprenait respiration ou inspiration, avec des mimiques assez différentes avant le début de chaque mouvement. Et chacun de ces mouvements réussissait à se terminer dans un grand silence que le public ne perturba heureusement pas (même si les applaudissements pendant les silences ne me choquent généralement pas, car souvent, ça ne choque que par snobisme).

C’était la première fois que Péter Eötvös dirigeait en public les Notations de Boulez qu’il avait déjà jouées seulement au piano. Un hommage pour celui qui, à partir d’un petit élément, a réussi à « bâtir une cathédrale presque baroque ».

Je me disais que Boulez était décidément classique, ce n’était pas, pour mes oreilles, du moderne. Tout à fait harmonieux et écoutable. Plus qu’écoutable, bien sûr. Le mot "écoutable" me paraît même un tantinet blasphématoire ! Boulez me paraît vraiment un compositeur extraordinaire, réussissant à faire du nouveau malgré tant de créations géniales dans le passé, un peu à l’instar d’un Picasso (plus que d’un Soulages), à la fois classique et moderniste.

J’ai quitté la Maison de la Radio à vingt-deux heures cinquante. Je n’ai vraiment pas regretté la soirée qui m’a fait découvrir Eötvös et aussi, deux solistes vraiment exceptionnels. Et j’allais prendre rendez-vous pour février 2015 pour le Festival Présences consacré à la musique américaine où la musique de Philip Glass serait mise à l’honneur. J'allais assister en effet à un magnifique concert avec la projection de "La Belle et la Bête", le film de Jean Cocteau (sorti le 25 septembre 1946 avec Josette Day, Jean Marais et Michel Auclair), couplé avec la musique de Glass interprétée en direct dans la salle (par l'Ensemble Intercontemporain, si je me souviens bien).

Quant à Eötvös, hélas, je n'aurai plus l'occasion de l'écouter dans un concert. Trop malade, il était absent en janvier dernier à l'occasion de son 80^e anniversaire (en particulier, fêté par l'Ensemble Intercontemporain qui avait organisé des concerts à cette occasion, mais aussi par Radio France où il avait prévu follement de diriger l'orchestre). Je reviendrai probablement plus longuement sur lui, qualifié par le compositeur allemand Helmut Lachemann (né en novembre 1935) de « l'un des rares esprits absolument indépendants (…), l'un des rares parce qu'indépendant aussi de lui-même. Car malgré toute la rigueur et la discipline perceptibles derrière son imagination sonore unique de même que derrière son humanité souveraine, lui et son art vivent d'une étonnement toujours prêts à l'aventure. ».

Ah, au fait, j'ai la réponse à mon incertitude : c'était bien Jean-Pierre Rousseau qui dirigeait la musique à Radio France en 2014, il l'a confirmé dans un de ses derniers billets de son blog le 24 mars 2024 pour rendre hommage à Péter Eötvös : « La dernière fois que j'ai eu l'occasion de faire œuvre utile pour lui, c'était il y a neuf ans, dans mes fonctions d'alors de directeur de la musique de Radio France. ». Il décrivait alors Eötvös de cette manière : « Le personnage était très attachant, exigeant mais jamais poseur, et il a sans doute fait beaucoup plus pour la "musique contemporaine" que nombre de ses collègues, parce qu'il avait le don de la pédagogie, y compris dans son écriture. ».


Aussi sur le blog.

Sylvain Rakotoarison (24 mars 2024)
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Pour aller plus loin :
Péter Eötvös.
Maurizio Pollini.
Piotr Ilitch Tchaïkovsky.
György Ligeti.
Vangelis.
Nicholas Angelich.
Joséphine Baker.
Léo Delibes.
Ludwig van Beethoven.
Jean-Claude Casadesus.
Ennio Morricone.
Michel Legrand.
Francis Poulenc.
Francis Lai.
Georges Bizet.
George Gershwin.
Maurice Chevalier.
Leonard Bernstein.
Jean-Michel Jarre.
Pierre Henry.
Barbara Hannigan.
Claude Debussy.
Binet compositeur.
Pierre Boulez.
Karlheinz Stockhausen.
Mstislav Rostropovitch.

 

https://rakotoarison.over-blog.com/article-sr-20240324-eotvos.html

https://www.agoravox.fr/culture-loisirs/culture/article/la-modernite-de-peter-eotvos-le-253817




 

« La mort de Frédéric Mitterrand me bouleverse. Une amitié de plus de 60 ans nous liait d’une affection inaltérable. Il a tout au long de sa vie servi les arts avec passion, érudition et amour. Notre fidélité commune pour François Mitterrand nous unissait profondément. Par dessus tout, j’appréciais son intelligence vive, son humour décapant, sa tendresse infinie, sa bonté rare. Frédéric était tout à la fois l’élégance et la passion. » (Jack Lang, le 21 mars 2024 sur Twitter).


 

Des hommages comme celui de Jack Lang, il va y en avoir de nombreux pour honorer la mémoire de Frédéric Mitterrand qui s'est éteint ce jeudi 21 mars 2024 à Paris à l'âge de 76 ans (né le 21 août 1947 à Paris), d'un cancer agressif détecté en janvier 2023. Il l'avait annoncé, il y a un an, le 14 avril 2023 sur CNews.

Il y a un an, en effet, il savait que ce serait son dernier combat, l'ultime combat : « Tout le monde sait que c'est un combat qui est très rude. Mais il n'y a pas d'autres solutions : c'est marcher ou crever! ». Deux jours avant sa mort, Frédéric Mitterrand était au téléphone avec Jack Lang et lui a confié : « Je crois que c'est la fin, Jack.. ». C'est ce qu'a raconté l'ancien Ministre de la Culture de François Mitterrand au journal "Le Parisien" le 21 mars 2024 : « Avec ma femme Monique, nous aimions passionnément Frédéric. Il m’a appelé il y a deux jours. Sa reconnaissance m’a bouleversé, parce qu’il tenait à me remercier pour ma fidélité à François. Il voulait me saluer (…). J’ai une admiration pour son intelligence brillante, son érudition incroyable, sa curiosité insatiable. Il a servi les arts avec tendresse. Il a été à la fois l’homme du cinéma, de l’histoire, de l’amour, de la beauté. Il était d’une gentillesse extrême, toujours porté vers la compréhension des autres, généreux à un point inimaginable. (…) Je ne connaissais pas tout de sa vie personnelle, mais le peu que j’en savais, je l’ai vu sauver des gens, s’occuper de tant et tant de personnes et, toujours, chercher chez l’autre la plénitude, la part la plus belle. Il aimait les gens. Il avait une forme d’indulgence. C’était une belle âme. Il avait ce sens de la fantaisie et de la gravité en même temps. ».

Frédéric Mitterrand était un touche-à-tout multiple, une multiexistence, mais le présenter d'abord comme le neveu de François Mitterrand serait une erreur, serait beaucoup trop réducteur. Certes, il était bien le fils de Robert Mitterrand, frère aîné de François et son directeur de cabinet lorsque Tonton était jeune ministre (Robert s'était aussi présenté aux législatives de mars 1967 en Corrèze contre un nouveau-venu de la politique, un certain Jacques Chirac).

Certes, Frédéric n'aurait jamais renié son oncle qu'il adorait et qui lui a sans doute transmis la passion de la politique et de l'histoire, cette belle érudition quasi-nostalgique qu'il utilisait pour ses si singuliers documentaires historiques. Mais il n'était pas que cela, il était très très loin de n'être que cela, d'autant plus que politiquement, il était plus à droite qu'à gauche, même si sa tendresse le portait naturellement vers son oncle (fasciné par De Gaulle, il a soutenu Jacques Chirac en 1995).

D'ailleurs, les relations avec François Mitterrand n'étaient jamais simples. Le neveu a affirmé en novembre 2020 : « Je pense qu'il me reconnaissait certaines qualités, et qu'il me reprochait de ne pas les utiliser assez. Quand je faisais des émissions de variétés, que j'adorais faire, ça l'agaçait beaucoup. ».

On serait plutôt tenté de mettre d'abord en avant l'homme de télévision, celui qui a réalisé plusieurs documentaires télévisés très intéressants sur les monarchies perdues de l'Europe des années 1900, sur ces "aigles foudroyés", comme il les appelait à grand coup de premier mouvement de la "Symphonie inachevée" de Schubert, ce générique me glaçait l'esprit !





On pourrait aussi parler du passionné de cinéma, qui a beaucoup fait pour promouvoir cet art. Diplômé de l'IEP de Paris, puis admissible à l'oral de l'ENA, il n'est jamais venu s'y présenter. Il aurait pu devenir un haut fonctionnaire ordinaire, il a préféré la culture et les arts. À 12 ans, il était déjà présent dans un film aux côtés de Michèle Morgan et Bourvil ! Après un peu d'enseignement, il a racheté et dirigé la salle de cinéma l'Olympic à Paris en1971. Petit à petit, il a construit tout un réseau de salles Art et Essai pour promouvoir le cinéma indépendant et les réalisateurs (internationaux) peu connus en France.

À partir du début des années 1980 (et jusqu'au milieu des années 2000), Frédéric Mitterrand est devenu un animateur de télévision très connu, sur TF1 puis sur Antenne 2, pour ses émissions sur le cinéma ("Étoile Palace", "Étoiles et Toiles", "Du côté de chez Fred", etc.) avec sa voix et son ton si reconnaissables au point que le Président de la République Emmanuel Macron a commencé son hommage à cette voix : « "Bonsoir !". C’est par ces mots invariables que, quarante ans durant, Frédéric Mitterrand fit irruption sur les écrans de télévision des Français. ». Ses émissions télévisées lui ont valu deux Sept d'Or (en 1989, meilleur animateur de débat, et en 1990, meilleure émission de divertissement). Il a également hanté les stations de radio, particulièrement Europe 1 et France Culture.

Très connu et reconnu dans le monde de la culture, de la télévision et du cinéma, Frédéric Mitterrand a occupé de très nombreuses responsabilités institutionnelles dont la plus importante a été probablement d'être le directeur de la Villa Médicis à Rome, du 1^er septembre 2007 au 23 juin 2009, un poste prestigieux très convoité (décret du 5 juillet 2007) qu'il a quitté pour son bâton de maréchal.

En effet, le Président Nicolas Sarkozy l'a nommé Ministre de la Culture et de la Communication jusqu'à la fin de son quinquennat (du 23 juin 2009 au 16 mai 2012 dans les gouvernements de François Fillon). Pour Frédéric Mitterrand, c'était la consécration de ses années passées à transmettre sa passion pour la culture. Pour Nicolas Sarkozy, c'était une belle prise politique contre ses adversaires de gauche, puisque le nom de Mitterrand était synonyme de fondateur de la gauche pour la plupart des leaders socialistes. Du reste, il a failli ne pas durer très longtemps, car il a eu la maladresse d'annoncer publiquement sa nomination avant l'annonce officielle faite par le Secrétaire Général de l'Élysée.

Dès la première séance des questions au gouvernement (c'est la séance de bizutage pour les nouveaux-venus en politique passés par le gouvernement), Frédéric Mitterrand a été excellent dans ses réponses, des réparties presque théâtrales, très à l'aise dans cette nouveau scène ou ce nouveau plateau. Il connaissait excellemment bien la vie politique et parlementaire et a su s'adapter à ses coutumes (certains ministres non-politiques n'ont jamais pu s'y faire). Je pense qu'il est, avec Éric Dupond-Moretti, les deux belles surprises de personnalités connues en dehors du monde politique qui ont su habiter leur rôle de ministre avec une grande habileté politique.

 

S'il a raté deux fois ses tentatives pour entrer à l'Académie française (en 2016 et en 2018), il a réussi néanmoins son concours d'entrée à l'Institut de France, pas par la plus grande porte mais par l'Académie des beaux-arts où il a été élu le 24 avril 2019 au fauteuil de Jeanne Moreau, dans la section du cinéma. Il a été installé le 5 février 2020, peu avant la crise du covid-19.

Mais, au-delà de la réalisation de nombreux documentaires, j'oubliais une corde non négligeable à son arc géant : il est aussi l'auteur de plus d'une vingtaine d'ouvrages, dont une sorte d'autobiographie, "La Mauvaise Vie" (chez Robert Laffont) qui n'avait pas fait grand bruit à sa sortie le 4 mars 2005 mais qui lui est revenu en pleine figure lors d'une insupportable polémique le 5 octobre 2009.

En effet, comment éviter d'évoquer cette polémique qui est arrivée alors que, Ministre de la Culture, il venait d'apporter un soutien sans faille au grand réalisateur Roman Polanski en difficulté judiciaire en Suisse et aux États-Unis ? Ce qui passait sans accroc dans les années 1970 ou 1980, c'est-à-dire harcèlement voire agression sexuels, n'allait plus de soi (heureusement) à la fin des années 2000, même avant la parole ouverte grâce à MeToo. La populiste d'extrême droite Marine Le Pen, qui n'était pas encore la présidente du parti de papa, s'est crue alors maligne d'accuser Frédéric Mitterrand le 5 octobre 2009, sur le plateau de l'émission "Mots croisés" sur France 2, d'avoir fait du tourisme sexuel en Thaïlande, payant « des petits garçons thaïlandais ».

Pour étayer ses accusations, elle a cité ce fameux livre "La Mauvaise Vie" : « J’ai pris le pli de payer pour des garçons (…). Évidemment, j’ai lu ce qu’on a pu écrire sur le commerce des garçons d’ici. (…) Je sais ce qu’il y a de vrai. La misère ambiante, le maquereautage généralisé, les montagnes de dollars que ça rapporte quand les gosses n’en retirent que des miettes, la drogue qui fait des ravages, les maladies, les détails sordides de tout ce trafic. Mais cela ne m’empêche pas d’y retourner. Tous ces rituels de foire aux éphèbes, de marché aux esclaves m’excitent énormément (…). [On] pourrait juger qu'un tel spectacle, abominable d'un point de vue moral, est aussi d'une vulgarité repoussante. Mais il me plaît au-delà du raisonnable (…). La profusion de garçons très attrayants et immédiatement disponibles me met dans un état de désir que je n’ai plus besoin de refréner ou d’occulter. L’argent et le sexe, je suis au cœur de mon système, celui qui fonctionne enfin car je sais qu’on ne me refusera pas. ».

Le ministre a dû par conséquent se défendre en s'invitant au journal télévisé de 20 heures sur TF1 le dimanche 8 octobre 2009. Il a précisé que les "garçons" étaient majeurs (que c'était une manière de parler), en condamnant fermement le tourisme sexuel et la pédophilie. Si on doit croire Frédéric Mitterrand au bénéfice du doute (seule la justice peut condamner, et la justice française peut se saisir elle-même d'une affaire de tourisme sexuel en Thaïlande), on peut s'étonner quand même de la mansuétude de l'éditeur pour laisser publier un texte aussi ambigu (mais en fait, on ne s'en étonne plus depuis qu'on sait ce qu'a publié Gabriel Matzneff). Frédéric Mitterrand avait déjà précisé dès 2005 lors du service après-vente de son livre (dans une émission animée par Marc-Olivier Fogiel et dans une autre animée par Franz-Olivier Giesbert) qu'il s'agissait bien de jeunes hommes et pas d'enfants, et la description de l'un d'eux correspondait d'ailleurs à un jeune homme de 20 ans. En tout cas, communicateur convaincant, il a su rassurer ce dimanche soir-là tant le monde politique que les Français sur la réalité des faits, puisqu'il est resté ministre encore plus de deux ans et demi. D'autres auraient chuté pour moins que ça !

TV5-Monde a titré « Itinéraire d'un faux dandy à la "mauvaise vie" » pour évoquer le souvenir de Frédéric Mitterrand. Et l'une de ses successeurs, qui était aussi une de ses collègues du gouvernement (à la Santé), Roselyne Bachelot, aujourd'hui triste, l'avait rencontré il y a encore quelques semaines : « Je perds un ami tendre (…). C’était quelqu’un avec lequel je partageais beaucoup de choses. Frédéric était un être d’exception, un touche-à-tout génial. Il est rare de rencontrer des gens comme lui, aussi à l’aise comme cinéaste comme écrivain, conteur, homme de radio et de télévision. (…) On pourrait presque parler de lui comme d’un Florentin, une personne extraordinairement cultivée, sans aucune bassesse et en même temps extrêmement accessible. Il n’avait pas une vision élitiste. Chaque Français à sa voix dans la tête et dans le cœur et il a pu s’adresser dans son approche de la culture au plus grand nombre. (…) On se voyait régulièrement : j’allais chez lui dans cet appartement absolument incroyable proche de l’Assemblée nationale où il y avait un fourre-tout de livres, de photos et d’œuvres d’art, mais tout était bien rangé, chaque chose à sa place. (…) Lorsque je suis devenue Ministre de la Culture [de juillet 2020 à mai 2022], il m’a donné des conseils et écrit une lettre de cinq pages en décrivant les chausse-trappes auxquelles j’aurais à faire et à éviter ! Auparavant, quand nous étions dans le même gouvernement, nous menions ensemble des opérations "La culture à l’hôpital" et nous allions auprès de malades avec des musiciens, comme cette fois au CHU d’Angers où nous avions écouté un artiste au chevet de l’un d’eux jouer le concert pour clarinette de Mozart. Je garde plein de petits cailloux scintillants dans mes souvenirs avec Frédéric. » ("Le Parisien", le 21 mars 2024).

Dans un communiqué, l'Élysée a aussi rappelé : « Au soir de sa vie, il se lamentait de ne toujours pas pouvoir départager ses deux maîtres à penser, le général de Gaulle et François Mitterrand, bataille intellectuelle et sentimentale qui divisait sa famille. Et c’est avec cette double fidélité qu’il s’engagea en politique. (…) [Ministre, il] œuvra à bâtir la Philharmonie de Paris ou le Mucem de Marseille. Musiques actuelles, livres numériques, cafés cultures, spectacle vivant, fête de la gastronomie française : autant de chantiers par lesquels il défendit une "culture pour chacun", culture intime et quotidienne, accessible aux Français au plus près de leur vie. » (Le Mucem est le Musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée qui a été inauguré le 7 juin 2013). Qu'il repose désormais en paix, parmi tous ses têtes couronnées.


Aussi sur le blog.

Sylvain Rakotoarison (21 mars 2024)
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Pour aller plus loin :
La riposte du 8 octobre 2009.
Frédéric Mitterrand.
Rachida Dati.
Rima Abdul Malak.
Roselyne Bachelot.
Franck Riester.
Audrey Azoulay.
Fleur Pellerin.
Aurélie Filippetti.
Jean-Jacques Aillagon.
Philippe Douste-Blazy.
Jacques Toubon.
Jack Lang.
François Léotard.
Michel d'Ornano.
Françoise Giroud.
Alain Peyrefitte.
Maurice Druon.
Jacques Duhamel.
Edmond Michelet.
André Malraux.

https://rakotoarison.over-blog.com/article-sr-20240321-frederic-mitterrand.html

https://www.agoravox.fr/culture-loisirs/culture/article/frederic-mitterrand-un-aigle-253767





 

« Je ne suis pas une intellectuelle, je suis une artiste. (…) J'ai pas de convictions ! » (Christine Angot, le 16 septembre 2017 sur France 2).






L'écrivaine Christine Angot fête son 65^e anniversaire ce mercredi 7 février 2024. Je n'aime pas trop le mot "écrivaine" mais il est plus neutre que celui de "romancière", titre qu'elle revendique mais que certains critiques lui refusent. Son œuvre est composée de nombreux livres (plus d'une vingtaine de romans et récits) ainsi que de pièces de théâtre et divers ouvrages. Elle a l'habitude de proposer aussi des versions auditives (lues) de ses livres, et des lectures sur une scène de théâtre.

Parmi ses inspirations : Duras, Proust, Beckett... et évidemment Céline : « Je ne suis pas autant intimidée par Duras ou Proust que par Céline. Voilà quelqu'un qui parle sa langue. » (1994).

Certains évoquent ses livres comme de l'autofiction, une sorte de récit vaguement autobiographique. Christine Angot rejette ce genre de considération et estime qu'il existe un mur complètement étanche entre la vie personnelle d'un auteur et les histoires qu'il pourrait raconter dans ses livres. La littérature est un art, et en tant que tel, l'auteur peut tout se permettre, comme tuer son enfant, crier des injures antisémites, etc. (je recommande de regarder un extrait de son passage dans "Le Cercle de Minuit" animé par Laure Adler diffusé le 20 septembre 1995 sur France 2).

Au-delà du contenu, on remarquera, dans cette vidéo, que Christine Angot est également très à l'aise dans le débat et sur les plateaux de télévision, très à l'aise dans la provocation et la polémique et la liste est très longue de ses émissions qui ont marqué l'histoire du paysage audiovisuel français où elle a provoqué quelques (mini) scandales médiatiques.

Quoi qu'elle en dise de ses écrits, elle a été plusieurs fois condamnée pour avoir raconté très précisément la vie de personnes réelles qui se sont reconnues et qui ont déposé plainte. Il semble indéniable que les scénarios de ses livres ont une part de réalité, même si celle-ci est romancée.

Christine Angot s'est découverte écrivaine très tôt et a rapidement tout abandonné pour se consacrer à l'écriture. Elle a mis longtemps à trouver des éditeurs, et a commencer à se faire éditer en 1990 par Gallimard. Néanmoins, quelques années plus tard, son éditeur lui a refusé son quatrième roman : « Le rapport de lecture dit que je suis dangereuse pour mon entourage, ils faisaient déjà la confusion entre ma vie et mes livres. ». Elle a donc dû rechercher un autre éditeur, d'abord Fayard, puis Stock, Le Seuil, retour à Flammarion.

Du reste, Christine Angot est assez transparente avec sa carrière éditoriale, n'hésitant pas à parler de son écriture, de sa recherche d'éditeur, etc. (et parfois en attaquant sévèrement quelques lecteurs ou critiques). Elle évoque l'absence de succès de ses trois premiers livres qui ont été vendus à moins de 500 exemplaires !

À partir de 1995, avec la sortie de son quatrième livre ("Interview" chez Fayard), Christine Angot est devenue une redoutable habituée des plateaux de télévision, au point d'être recrutée bien plus tard par Laurent Ruquier dans son émission "On n'est pas couché" pour créer du buzz, et effectivement, elle en a créé. Personnellement, j'ai peu de commentaires à faire sur ses sorties médiatiques, que j'approuve rarement mais qui est sa marque de fabrique (et qui aussi, je pense, contribue à faire vendre ses livres).



"L'Inceste", sorti chez Stock en 1999, est sans aucun doute le point de démarrage de sa notoriété grand-public. Elle y raconte son homosexualité et aussi l'inceste dont elle a été victime. Sur ses relations (ou non relations) avec son père, elle y est revenue dans un roman intimiste passionnant, "Un Amour impossible" en 2015 (chez Flammarion) et "Le Voyage dans l'Est" en 2021 (chez Flammarion aussi), ce dernier livre lui a valu le Prix Médicis. Un petit coup d'accélérateur avec sa participation à l'émission de Bernard Pivot "Bouillon de culture" diffusée le 3 septembre 1999 sur France 2, où elle a nourri la polémique, a contribué à faire de son livre un best-seller : 50 000 exemplaires ont été vendus en quelques semaines.

Malgré une descente en flèche de plusieurs critiques, le livre a trouvé aussi des laudateurs, comme Josyane Savigneau qui a écrit, dans "Le Monde" en septembre 1999 : « Christine Angot va gagner. Parce qu'elle ne risque pas de plaire. Elle va trop vite, trop fort, trop loin, elle bouscule les formes, les cadres, les codes, elle en demande trop au lecteur. Elle vient d'avoir quarante ans, elle écrit depuis quinze ans et, en huit livres, elle a enjambé la niaiserie fin de siècle. Elle n'est pas humaniste, elle a fait exploser le réalisme, la pseudo-littérature consensuelle, provocante ou faussement étrange, pour poser la seule question, la plus dérangeante : quel est le rapport d'un écrivain à la réalité ? ».

Phénomène littéraire, donc... et plus que cela, reconnaissance lorsqu'elle a été élue membre de l'Académie Goncourt le 28 février 2023. Consécration. Mais sans vanité. Dans sa chronique diffusée le 31 août 2023 sur France Inter, elle disait goulûment :
« Dans les couloirs de chez Gallimard, quand un académicien français en croise un autre, ils s’appellent "maître".
– Bonjour maître, comment allez-vous ?
– Bien, et vous, maître ?
Ils le font sans rire, vraiment. Ils ne jouent pas. ».

Et pour donner un échantillon de sa capacité à créer la polémique à chaque phrase, elle poursuivait dans la même chronique : « On fait attention à ce qu’on dit. Mais la représentation, les images, continuent de témoigner des dépôts de crasse qui restent dans la tête. Et qui sont difficiles à retirer. Ils aiment ça. Un viol sur scène, avec le consentement de la victime, quoi de mieux. Que le public jouisse de ce qu’il dénonce… D’une main, il dénonce. De l’autre, il se masturbe. Les représentations trahissent le fait que la loi du plus fort continue de bien exciter la société. ».

C'est clair qu'elle ne laisse pas indifférent : soit on l'aime (beaucoup), soit on la déteste (beaucoup). Son parler crû dérange évidemment mais il est tellement lucide qu'il en devient un modernisme. Christine Angot n'a pas attendu MeToo pour dénoncer les abus sur les femmes. Et probablement que son histoire personnelle a été un très grand moteur de son écriture.

Adaptation de son œuvre éponyme (sortie en 2015), le film de Catherine Corsini "Un Amour impossible" (sorti le 7 novembre 2018) est excellent dans sa fraîcheur et dans sa narration. La narratrice (Chantal) retrace ses quarante premières années de vie. Ambiance années 1960-1970. L'histoire fait de nombreux flash-back. Paradoxalement, c'est sa mère (Rachel) qui est au centre de l'intrigue, jouée admirablement par Virginie Efira qu'on voit passer de jeune mère à vieille grand-mère (très crédible), ce qui lui a valu une nomination pour le César de la meilleure actrice. Le film lui-même a eu, au total, quatre nominations dont meilleure adaptation, meilleur espoir féminin pour Jehnny Beth dans le rôle de Chantal adulte (les deux comédiennes citées, la mère et la fille, n'ont que sept ans et demi d'écart dans le civil).

Beaucoup de non-dit, d'implicite, de nuances, de finesse pour raconter une histoire particulièrement sordide : un père souvent absent (qui a refait sa vie dans une autre famille) qui abuse sexuellement sa fille adolescente qui est fascinée par ce père si lointain et si prestigieux, si cultivé : « Physiquement, mon père ne correspondait pas aux goûts de l'époque. (…) Mais il avait un charme, une assurance, un sourire, qui faisait que les autres hommes n'existaient plus pour elle. Ceux qui les voyaient marcher main dans la main voyaient une très belle jeune femme accompagnée d'un homme sans intérêt. » (2015).

Un ami de celle-ci avertit la mère, mais la mère, bloquée par la sidération, n'a jamais osé aborder ce sujet avec sa fille. Et la fille, une fois adulte et elle-même mère, le lui a longtemps reproché : « J'avais cessé de l'appeler maman. Ça s'était fait comme ça, tout seul, sans intention, sans décision. Peu à peu. Ça n'avait pas été prémédité. Au début, la fréquence du mot avait baissé. Comme s'il n'était plus nécessaire. Ensuite, il avait pris une tonalité gênante. Il était devenu bizarre, décalé. Puis il avait disparu. Totalement. Il m'était devenu impossible de le prononcer. ». La mère victime de culpabilité à cause d'un père infâme. Tout cela sur fond de chronique sociale dans la bourgeoisie provinciale de Châteauroux, de différence de classes sociales, de cynisme du prédateur et de naïveté de la victime.



Je termine sur un extrait du même livre à propos de l'amour : « Les gens veulent l'amour conjugal, Rachel, parce qu'il leur apporte un bien être, une certaine paix. C'est un amour prévisible puisqu'ils l'attendent, qu'ils l'attendent pour des raisons précises. Un peu ennuyeux, comme tout ce qui est prévisible. La passion amoureuse, elle, est liée au surgissement. Elle brouille l'ordre, elle surprend. Il y a une troisième catégorie. Moins connue que j'appellerai... la rencontre inévitable. Elle atteint une extrême intensité et aurait pu ne pas avoir lieu. Dans la plupart des vies elle n'a pas lieu. On ne la recherche pas, elle ne surgit pas non plus. Elle apparaît. Quand elle est là on est frappé de son évidence. Elle a pour particularité de se vivre avec des êtres dont on n'imaginait pas l'existence, ou qu'on pensait ne jamais connaître. La rencontre inévitable est imprévisible, incongrue, elle ne s'intègre pas à une vie raisonnable. Mais, elle est d'une nature tellement autre, qu'elle ne perturbe pas l'ordre social puisqu'elle y échappe. » (2015).


Aussi sur le blog.

Sylvain Rakotoarison (03 février 2024)
http://www.rakotoarison.eu


Pour aller plus loin :
Christine Angot au Cercle de minuit (animé par Laure Adler) le 20 septembre 1995 sur France 2.
Christine Angot.
Edgar Morin.
Jean-François Revel.
Maurice Bellet.
Claude Villers.
André Franquin.
Morris.
Françoise Hardy.
Lénine.
Christine Boutin.
André Figueras.
Patrick Buisson.
Maurice Barrès.
Bernard-Henri Lévy.
Jacques Attali.
Italo Calvino.
Hubert Reeves.
Jean-Pierre Elkabbach.
Jacques Julliard.
Robert Sabatier.
Hélène Carrère d'Encausse.
Molière.
Frédéric Dard.
Alfred Sauvy.
George Steiner.
Françoise Sagan.
Jean d’Ormesson.
Les 90 ans de Jean d’O.






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https://www.agoravox.fr/culture-loisirs/culture/article/christine-angot-derriere-la-252351

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« Aujourd’hui ces hommes, écrivains, militaires, religieux, ont, pour la plupart, disparu. Raison pour laquelle la liste des parias est devenue celle des réprouvés. Pire, elle n'existe plus. Pour le plus grand nombre de nos contemporains, ils sont désormais inconnus. (…) Les maux que nous vivons aujourd’hui, les exaspérations, le délitement généralisé de notre patrie, ne sont pas le fait du hasard. » (Olivier Figueras, "Politique Magazine" n°231 de janvier 2024).






Le journaliste, essayiste, pamphlétaire, polémiste, pétainiste, antigaulliste et ancien résistant, André Figueras est né il y a 100 ans, le 8 janvier 1924 à Paris. Il est mort à l'âge de 78 ans le 15 mars 2002 également à Paris. Ce centenaire, comme le déplore son fils Olivier Figueras, (ancien) journaliste de "Présent", ne sera pas officiellement célébré parce qu'évidemment, André Figueras n'est pas vraiment un auteur politiquement correct.

Résistant dès 1941 à l'âge de 17 ans, André Figueras fut un agent de liaison dans les FTP, intégré au réseau Défense de la France. Il a édité des journaux clandestins, réalisé des faux papiers, fait des transferts d'aviateurs américains, etc. En 1944, il s'est engagé dans les commandos de parachutiste de l'armée d'Afrique. À la fin de la guerre, il a reçu à la fois la Croix de guerre et la Médaille de la Résistance, ainsi que la Médaille des libérateurs de Belfort.

Son petit-fils Jean Figueras a raconté bien plus tard, le 30 novembre 2023 dans "Monde & Vie" (auquel collabora André Figueras) : « De ses années de guerre, il parlait très peu, estimant qu’il avait fait son devoir, et répondu à l’appel de la France lorsqu’elle avait eu besoin de lui. Il résista, donc, en écrivant dans le journal de son mouvement sous la houlette de Pierre Brossolette (une des principales figures de la Résistance), et en faisant passer un certain nombre de personnes en Suisse ou en Espagne. Il emprunta lui-même cette filière après avoir été repéré par les Allemands, et, après un passage par le camp de Miranda, rejoignit l’Afrique du Nord où il intégra les commandos de parachutistes de la France libre, avec lesquels il participa à la libération de la France et à la campagne d’Allemagne. ».

À la Libération, André Figueras a fait du journalisme politique, notamment aux côtés de Maurice Clavel. Marié trois fois, le polémiste a été, pour ses premières noces, le mari, assez brièvement, d'Anne Brossolette, la fille de Pierre Brossolette (mort en 1944). Cette union ne l'a pas conduit à avoir d'éventuels passe-droits car il était trop indépendant pour cela. André Figueras a travaillé pour divers journaux, en particulier "Combat", "L'Essor", "L'Aurore", "Le Figaro", Présent", "Minute", "La Crapouillot", "Le Journal du Parlement", "Les Nouvelles Littéraires", etc. Il a tiré sa révérence peu après sa tentative impossible de se présenter à l'Académie française au fauteuil de Jacques Laurent qu'il voulait ainsi honorer.

Dans la vieille tradition des pamphlétaires, André Figueras usait de l'antiparlementarisme primaire pour fustiger toutes les erreurs, fautes et défauts de la classe politique. Malgré son engagement dans la Résistance, il défendait la mémoire de Pétain, a beaucoup parlé de la collaboration et aussi, était proche des milieux catholiques traditionalistes (il était proche de Mgr Marcel Lefebvre et son fils Raphaël est prêtre), ce qui l'a fait se rapprocher du FN et de Jean-Marie Le Pen (parrain de sa fille) à partir des années 1970. Il défendait aussi le GUD, organisation étudiante d'extrême droite très activiste. Quand De Gaulle a procédé à l'autodétermination puis à l'indépendance de l'Algérie, il fut un opposant acharné du gaullisme et de De Gaulle (qu'il avait pourtant admiré pendant la guerre), au nom de l'Algérie française.

André Figueras a laissé une œuvre très fournie, une centaine de livres, déversant souvent sa rancœur et son dégoût, dont la liste exhaustive a été publiée par la revue "Lectures Françaises" n°540 en avril 2002 à l'occasion de sa disparition. On pourra avoir un petite idée du polémiste rien qu'en lisant le titre de certains de ses ouvrages, comme : "Lyautey assassiné. La question marocaine ou comment nous avons perdu le Maroc" (1959), "Nous sommes Frey. La Vérité sur l'UNR" (1959) [Roger Frey était l'un des barons du gaullisme], "Faut-il rester en république ?" (1960), "Les Gaullistes vont en enfer" (1962, saisi), "Guide d'anti-cinquième" (1963, interdit), "Les Pieds Noirs dans le plat" (1963, saisi), "Charles le dérisoire" (1964, interdit), "Le Général mourra" (1965, saisi), "Figueras contre De Gaulle" (1965, saisi), "Mes condamnations" (1966), "Adjudant fisc" (1969), "De Gaulle l'impuissant" (1970), "J'accuse Michel Debré" (1970), "La république des gredins" (1972), "Faux résistants et vrais coquins" (1974), "La Croix de Lorraine qui tue" (1975), "Giscarnaval et Mitterrandoignon" (1976), "Marty sans laisser d'adresse" (1976), "Le camarade cardinal" (1977), "La gestapo fiscale" (1977), "Saint Nicolas du Chardonnet. Le combat de Mgr Ducaud Bourget" (1977), "Pétain c'était De Gaulle" (1979), "Avorteurs et avortons" (1980), "Pas de champagne pour les vaincus" (1981), "Ce canaille de D...reyfus" (1982), "Les derniers jours de la Patrie" (1982), "Les résistants à la Popaul" (1982), "Traité de balayge" (1985), "Philippe Pétain devant l'histoire et la patrie" (1986), "Les quatre secrets de Barbie" (1987), "L'Affaire Dreyfus revue et corrigée" (1989), "Pétain et la résistance" (1989), "Pour en finir avec le Général" (1990), "Mémoires intempestifs. Mi-Figueras, mi-raisin" (1993), "Mes opinions indépendantes sur Pétain, Salan, Le Pen et quelques autres" (1994), "Pas d'Oradour à Saint-Amand-Montrond" (1996), "La fable d'Auschwitz et d'Abraham" (1997), "Dialogues politiquement incorrects" (1998), "Le palimpseste de Vichy" (1998), etc.

Probablement que le plus intéressant est dans sa remarquable "Zoologie du Palais-Bourbon", sorti en 1956 pour sa première édition, complétée dans sa deuxième édition en 1964, où, à l'instar de Léon Daudet et Charles Maurras, André Figueras a dressé de nombreux portraits de personnalités politiques qui, évidemment, ne les grandissaient pas. Alors qu'André Figueras, bien implanté dans les milieux intellectuels et politiques d'après-guerre, aurait pu "faire carrière", fréquentant notamment Albert Camus, François Mitterrand, Maurice Druon, Pierre Poujade, Georges Bidault, etc., il fut au contraire dégoûté par la classe politique de la Quatrième République et son livre de zoologie politique l'a définitivement mis hors des clous, s'attirant la foudre de toute la classe politique, y compris de l'extrême droite.

Dans le "Petit dictionnaire des injures politiques" (sorti en 2011) dont il a dirigé la rédaction, l'historien Bruno Fuligni s'est fréquemment servi de l'ouvrage d'André Figueras pour citer les injures politiques entendues ou lues publiquement. En voici quelques-unes dont une émane d'un autre ouvrage alors indiqué (à ne savourer qu'avec modération, si on ne veut pas rendre la démocratie trop indigeste).

François Mitterrand : « Il ressemble à une gazelle qui aurait des coutumes ecclésiastiques ; on dirait qu'il y a du prélat chez ce sauteur. ».

Pierre Mendès France : « Son visage est celui d'un hibou épuisé ; son sourire a l'air d'avoir servi depuis dix mille ans, tant il est flétri, pâle, mince ; ses yeux sont ternes, flous et usés ; sa voix elle-même tombe en ruine. Quant à son corps, il est rabougri et frileux. Ses mains ont l'air de vieilles serres mises à la réforme. Bref, c'est l'oiseau de nuit vétuste et morose, au vol bas, lourd, hostile. ».

Jacques Chaban-Delmas : « Imaginez-le, ayant enfilé l'habit à losanges, la batte à la main, et faisant parade sur les tréteaux. Avec ses jolies mains, recroquevillées comme il les tient volontiers (car on est cabotin, mesdames), sa tête câline un peu à la renverse où l'œil est langoureux presque autant que celui de Luis Mariano, son sourire de fille de joie qui va passer maquerelle et qui s'essaye à la respectabilité, son regard enamorando dès qu'ils lorgne une petite, n'est-il pas ravissant, le Chaban-Delmas ? (…) Gracieux comme un ouistiti. Du ouistiti, en effet, Chaban-Delmas a les gamineries futées et coquettes, la séduction un peu niaise, les privautés oculaires. Et l'on adorerait, sur le Rocher des Singes, au zoo de Vincennes, voir gambader Chaban-Delmas librement avec une jolie queue longue lui sortant du derrière. ».

Gaston Defferre : « Defferre, partout où il traverse le domaine français, laisse derrière soi la pollution de sa bave. On rétorquera que c'est son métier d'escargot qu'il fait, et qu'il n'appartient à personne de transformer sa nature. ».

Michel Debré : « Je ne nie point qu'il s'agisse en l'espèce d'une sorte de scolopendre raté, de scorpion geignard, de coléoptère sans carapace. Je sais qu'il est catalogué déjà, et que les limaces elles-mêmes, et les vers de chiottes, préférant légitimement être dans leur peau que dans la sienne, sont intervenus auprès du Bon Dieu pour qu'Il ne le range point dans leur catégorie. » ("J'accuse Michel Debré").

Jean-Marie Le Pen : « Jean-Marie Le Pen est l'intellectuel du groupe poujadiste, le penseur des épiciers. Il est l'inventeur de la formule qui eut du succès : "Sortez les sortants !" ».

Georges Bidault : « Bidault tient en effet du cuistre et du joujou. Il y a en lui un Triboulet qui se sublime, qui se transcende et qui s'admire. Il est condescendant comme un régent de collège, et burlesque comme un toton. Supposez qu'une toupie tournante et ronflante prenne tout à coup forme humaine, pense et s'exprime, vous aurez Georges Bidault. ».

Robert Schuman : « Ce n'est sûrement à ce vieux singe que l'on apprendra à faire des grimaces, car il les fait supérieurement. Sa bouche lippue, ses joues ridées, ses yeux bigles, son nez saucissonneur, son front oblique, ses lunettes d'officier allemand, font de lui un parfait macaque blanchi sous le harnois. On l'imagine fort bien à quatre pattes, et se faisant, par le ouistiti par exemple, épouiller les fesses. (…) Dans tous les ministères où il a passé, et à la Présidence du gouvernement, il a donné l'impression d'un macaque demeuré, hydrocéphale, et qui aurait bien aimé que, pour le distraire pendant les conseils, on lui jetât une banane. ».

Édouard Herriot : « Alfred Capus, voyant ce débris s'agiter encore, dirait avec son gai et profond cynisme : "Mais qu'est-ce que fait donc la mort ?". Car ce n'est pas assez, pour le pélican décati, d'avoir multiplié les fautes pendant une interminable existence, d'avoir joué toujours sur le mauvais tableau, d'avoir gaffé comme il respirait. Il faut encore qu'il s'éternise devant la mangeoire politique, qu'il continue de clabauder, de faire des effets de thorax et de jouer, suprême dérision, au penseur et au pacificateur. (…) Cette baderne nous a suffisamment nui. ».

Antoine Pinay : « L'horizon de son intelligence se borne exactement aux frontières de l'hémicycle. Le bourricot qui tourne indéfiniment la noria ne sait même pas qu'il existe de grands paysages libres. ».

Édouard Daladier : « Flaubert a dit : "L'aigle de Meaux était une oie". On peut écrire de même que "le taureau du Vaucluse" est un veau vieux. Il n'a plus corne, ni dents, ni sabots, ni le reste. On le mènerait au pâturage avec une vieille ficelle. On ne peut rien voir de plus mou, de plus tombé, de plus laid que ce bonhomme. ».

René Pleven : « Le vampire-spectre, qui a quatre incisives à chaque mâchoire, suce le sang des hommes pour se nourrir. Incapable en effet de prospérer par lui-même, il a besoin de la mort des autres pour en tirer sa vie. ».

Joseph Laniel : « On voudrait bien, ne serait-ce que par souci de ne pas être banal, comparer Joseph Laniel à autre chose qu'un bœuf. Mais cela est d'autant plus impossible qu'il semble cultiver comme à plaisir la ressemblance. Ce n'est pas assez qu'il soit massif, pesant, de membres brefs et lourds, que sa tête engoncée dans ses épaules soit presque aussi large que son poitrail, que ses gros yeux aux bords rouges aient l'air d'attendre les mouches, et que, de son museau qui mastique à l'horizontal (c'est la seule façon qu'a Laniel de ruminer), on s'étonne de ne pas voir découler un scintillant filet de bave. Il a encore fallu que Joseph Laniel se fît coiffer en brosse, de façon que son mufle apparût à plein, carré. De sorte qu'on rêve de l'apercevoir à l'abandon dans une pâture, et se nourrissant, par grosses bouchées, de sa litière. ».

Pierre Pflimlin : « Son nom est à peu près aussi imprononçable que celui de l'échidné auquel il ressemble, et qui est, nous disent les manuels, "un animal épineux, fouisseur, dont le museau est prolongé en une sorte de bec arqué". L'œil, ajouterons-nous, n'est pas tout à fait pétillant ; les membres son raides ; l'allure générale maladroite et molle. C'est Bourvil au Palais-Bourbon. ».

Jacques Duclos : « Ce crabe des cocotiers a perdu une pince ; ce qui fait qu'il se propulse d'une manière syncopée et roulante (dans tous les sens du terme) ; et que ses grandes mandibules ne font qu'une moitié d'impression. ».

Vincent Auriol : « Prestidigitateur au faciès de fœtus hémiplégique... ».

Guy Mollet : « Il a la consistance froide, la couleur indéfinissablement blême, la pauvreté mentale, la rétractibilité politique de la méduse. Toujours entre deux eaux, poussé par les courants, remué par ce qui passe, c'est un invertébré typique. ».

Henri Queuille : « Ce cloporte béquillard, plat et blasé, était l'éternel ministre de l'Agriculture de la III^e République. Dans le ministère, comme dans tout village, il est bon qu'il y ait un "idiot" pour faire la joie des autres, qui se croient plus malins que lui. Henri Queuille joua ce rôle dix-sept fois. La IV^e République, dont on n'observera jamais trop qu'elle a été faite principalement avec les déchets de la III^e, transforma Queuille en Président du Conseil. Il inventa alors une trente-troisième position, celle qui seyait le mieux à son tempérament, l'immobilité. Tout le temps qu'il resta au pouvoir, il s'amusa tout seul, mais il n'engendra pas le plus petit projet, la plus petite innovation. Il fut aussi stérile qu'Onan. ».

Gaston Monnerville : « Le caïman édenté du Sénat... ».

Paul Ramadier : « Cette chenue bique, un moment flanquée au rancart dans son étable crasseuse, s'est remise à crotter sur nos grands-routes. On ramasse ses incongruités à la pelle, et c'est si sec, si puant, si pauvre, qu'il n'y a même pas moyen de se servir de ce fumier pour faire pousser des éclats de rire. ».

Jean-Louis Tixier-Vignancour : « C'est en permanence le sanglier qui débouche, la défense hargneuse, le trop lourd et rude, soufflant par ses naseaux épais une sorte de feu obscur, griffant le sol dans son impatience féroce, prêt à renverser et à piétiner tout ce qu'il rencontrera, de temps en temps levant son dur mufle pour humer ce que le vent lui livre de raison, de prudence ou d'audace, et puis, repartant d'un train d'enfer, brute bénévole, magnifique et dangereuse, fauve qui n'est pas sans cousinage avec le porc, mastodonte hérissé, orgueilleux, vindicatif, à la fois horrible et épatant. ».


Aussi sur le blog.

Sylvain Rakotoarison (06 janvier 2024)
http://www.rakotoarison.eu


Pour aller plus loin :
François Mauriac et ses vacheries.
Clemenceau et l’art de la vacherie.
Liste exhaustive des ouvrages du pamphlétaire André Figueras.
André Figueras.
Patrick Buisson.
Rassemblement national : objectif 2027... ou avant !
Jordan Bardella.
Marine Le Pen.
Le nouveau JDD et la récupération des Enzo...
Geoffroy Lejeune.
Attention, un train de violence peut en cacher un autre...
Éric Caliméro Zemmour.
Jean-Marie Le Pen et sa marque dans l'histoire.
La tactique politicienne du RN.
La sanction disciplinaire la plus lourde de la Cinquième.
Louis Aliot.
Le congrès du RN.
Grégoire de Fournas.
Incident raciste : 89 nuances de haine à la veille du congrès du RN ?
Le Front national des Le Pen, 50 ans plus tard...







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https://www.agoravox.fr/culture-loisirs/culture/article/andre-figueras-et-le-langage-du-252043

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